tag:blogger.com,1999:blog-20991437490862723272024-02-28T22:50:01.258-08:00Esquemas piramidalesDe cuando todo es muy frágil, se derrumba y se tiene que volver a construirWilliam Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.comBlogger48125tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-83100268946340342552015-01-23T23:51:00.001-08:002015-01-23T23:55:03.515-08:00Las singularidades de Spider-Verse<div style="text-align: justify;">
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<b><i>Spider-Verse</i></b>, el evento Marvel en el que todas las versiones de <b>Spider-Man</b> de distintos medios a lo largo de su historia (repito: TODAS) se unen para combatir un mal interdimensional, es un oasis en medio de tantos "megaeventos" tanto de Marvel como DC: en lugar de inflarse a base de publicidad efectista y decisiones editoriales burdas, <i>Spider-Verse</i> se construyó. Y permitan la ñoñez: se construyó con mucho cuidado, con mucha atención al detalle, con mucha inteligencia y con muchísimo amor. Sienta un precedente importante no sólo sobre cómo hacer megaeventos, sino cómo abordar los historias de superhéroes a gran escala sin perder la candidez primigenia del género (especialmente tratándose de personajes tan queridos como Spider-Man).</div>
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De su última contribución, <i>The Amazing Spider-Man</i> #13, rescato la siguiente página:</div>
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<a href="http://i1300.photobucket.com/albums/ag87/William_Saints/TheAmazingSpider-Man013-007_zps1723aef3.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;" target="_blank"><img alt="Spider-Verse" border="0" src="http://i1300.photobucket.com/albums/ag87/William_Saints/TheAmazingSpider-Man013-007-Copy_zps270dae9c.jpg" /></a></div>
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<span style="font-size: x-small;"><i>Click para ver más grande.</i></span></div>
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Lo oportuna que resulta (dada la historia) le quita cualquier cursilería o ridiculez moralizante: una preocupación genuina, me parece ("Somos especiales, todos, de alguna manera, cada quien con su modo de ser..."). Sin embargo, encuentro una segunda lectura: la de la diversidad humana en la cultura pop, especialmente en un campo tan anquilosado como el de cómics estadounidense de superhéroes que, para muchos, es "el comic" por antonomasia. Con el personaje principal promedio siendo un hombre joven blanco estadounidense, sigue siendo inusual la representación de cualquier característica distinta, cayendo muchas veces en intentos penosos. Ha habido logros bastante llamativos al respecto en los últimos años, sobre todo con Marvel Comics —hablando de cómics de superhéroes mainstream, claro—, pero hay varias cosas por cambiar si queremos representación justa y libre de estereotipos y prejuicios en la cultura pop, algo deseable dado el poder de ésta en el colectivo imaginario de la sociedad.</div>
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Otro enfoque más acorde a este momento de ebullición cinematográfica y televisiva de los superhéroes es el de las diferencias con el material fuente al momento de adaptar un cómic y, más aún, de la apropiación del espectador: ¿por qué creer que hay un personaje "correcto" y sus distintas adaptaciones no lo son? ¿Por qué creer que hay un personaje o una historia canónica y "oficial" y todo lo demás no tiene ningún valor? Este tipo de ideas es justo lo que genera discriminación entre la comunidad geek (whatever that means), apestando a mujeres y fanáticos jóvenes con actitudes que suelen desbordar agresividad.</div>
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En este mundo donde se pone el grito en el cielo por cosas como Idris Elba representando a un personaje mitológico tradicionalmente blanco o Michael B. Jordan representando a un personaje originalmente rubio, lo que más necesitamos es personajes como Miles Morales, Spider-Gwen o Pavitr Prabhakar: personajes en los que todos podamos identificarnos, de los que seamos libres de apropiarnos y, sobre todo, a los que podamos sentir cercanos, posibles y dignos de elogiar.</div>
William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-15778085458796235492014-11-14T08:06:00.001-08:002014-11-14T08:07:52.366-08:00Centro de gravedad<div style="text-align: justify;">
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<img alt="Interstellar" border="0" src="http://i1300.photobucket.com/albums/ag87/William_Saints/Interstellar5_zpsc28b26bc.jpg" style="text-align: start;" /></div>
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Me acerqué a <i><b>Interstellar</b></i> (Christopher Nolan, 2014) esperando algo que me impactara y me dejara la boca abierta por tres razones: soy muy impresionable, soy fan de las space opera y el trabajo de Nolan hasta el momento me ha fascinado. No encontré <b><i>Gravity</i></b> particularmente sobresaliente (y disculparán la mención, pero, así como con <b><i>2001...</i></b>, creo que serán inevitables un par de comparaciones con otras obras del género) y esperaba que esta fuera MI película de sci-fi que me volara la cabeza, que me maravillara de los viajes especiales o que marcara a mi generación. No lo hizo, ciertamente, aunque tampoco me dejó indiferente.</div>
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En un mundo donde una plaga ha acabado con casi todas las cosechas (ya sólo existe el maíz, de hecho) y ha cambiado al planeta de tal modo que las tormentas de arena son una constante mundial, Cooper (Matthew McConaughey), un piloto e ingeniero convertido a la fuerza en agricultor dado el estado del mundo, se ve envuelto en un plan de salvación humana que involucra a su hija Murphy (McKenzie Foy/Jessica Chastain), un antiguo profesor universitario, Brand (Michael Caine) y la hija de éste, sólo mencionada por el apellido de su padre, Brand (Anne Hathaway). El plan consiste en el aprovechamiento de un agujero de gusano que misteriosamente apareció hace décadas cerca de Saturno, el cual los llevaría a un sistema planetario al otro lado de la galaxia con planetas potencialmente habitables para toda la humanidad. Cooper y Brand (hija) deberán viajar junto con una tripulación de otros dos a través del agujero de gusano y encontrarse con un grupo de astronautas enviados hace años para explorar los planetas con potencial habitable, para finalmente decidir cómo efectuar el plan de salvación humana. La película girará en torno a dos historias paralelas: la del viaje interestelar y la de la mencionada Murphy, quien, junto con el profesor Brand, pasará años intentando salvar a la humanidad desde su trinchera, comunicándose con la misión interestelar y experimentando desfases temporales con ésta a causa de la naturaleza de su viaje.</div>
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De ello, se desprenden tres tonos en Interstellar: el de ciencia ficción "dura", con Cooper y su tripulación viajando; el de historia de fin del mundo, con Murphy y la restante familia de Cooper sufriendo el deterioro progresivo del planeta; y el emotivo y sentimental, que se desarrolla con la relación entre los personajes de los dos tonos anteriores: entre Murphy y su hermano con Cooper y entre el profesor Brand y su hija.</div>
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El primer tono resulta el más sobresaliente en ejecución, aún con ciertas fallas. No sólo es el pretexto para el despliegue visual más impactante de la película (la entrada al agujero de gusano, el hoyo negro supermasivo y sus efectos luminosos, los distintos planetas que visitan durante el viaje interestelar...), sino también para los peores diálogos de la película: más allá de explicaciones sobreexpuestas entre científicos que no necesitan dichas explicaciones (y que obviamente van más dirigidas al espectador), hay un intento desesperado por darle un aire romántico al viaje espacial, lo que da situaciones y diálogos tan cursis y ñoños que dan pena. El intento de adición de un factor sentimental al viaje no resulta penoso en sí (el mismo <i>2001... </i>maneja un tono parecido), pero, en el caso de Interstellar, la sutileza al respecto es tan poca que resulta fuera de contexto: mientras que la premisa y lógica interna de la película establece que toda la tripulación (excepto Cooper) son científicos de alto grado, con años dedicados a la preparación de esta misión, al momento de llevarla a cabo la mayoría parecen personajes fuera de género, con frases como "el amor es lo único que trasciende el tiempo y el espacio" o tomas de decisiones que obedecen más a caprichos amorosos que a pragmatismo. Incluso intentando justificar este tipo de decisiones con el dilema de "Planeación contra ejecución", este tipo de cosas fuera de contexto y parecen responder más a una necesidad de crear conflictos dramáticos en donde no hay necesidad de ellos.<br />
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<img alt="Interstellar" border="0" src="http://i1300.photobucket.com/albums/ag87/William_Saints/Interstellar3_zps2df8a59b.png" style="text-align: start;" /></div>
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La historia de Murphy y el profesor Brand, por otro lado, transcurre paralela a la de Cooper, Brand y compañía. Por un lado, Michael Caine desarrolla un personaje que desde el principio parece tener cierta demencia senil: de nuevo, en pos de darle un aire romántico al personaje, el profesor Brand repite <i>ad nauseam</i> un mismo poema que, en un giro digno de telenovela, será lo último que responda en su lecho de muerte, en lugar de responder a cuestiones vitales sobre la misión interestelar. Murphy, por otro lado, es también un personaje con ciertas incoherencias: alejada del seno familiar motivada por un desprecio infantil al padre, convenientemente mostrará un afecto inusitado no sólo a su hermano y la familia de éste, sino también a su padre.</div>
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Finalmente, es en la relación entre las personas en la Tierra y los viajeros que pretende centrarse el drama central, especialmente entre Cooper y su familia. Aquí es donde se hacen evidentes ciertas incoherencias no sólo con las pretensiones científicas de la película —pese a ser ficción científica, es evidente la adopción de la mayoría de las reglas y teorías científicas sobre el viaje especial, algo que la misma promoción de la película ha recalcado varias veces—, sino algunas de lógica interna. Las más notables tienen que ver con los conflictos de relatividad temporal y la comunicación entre planetas y naves pese a ellos (y en los que no ahondaré más para no caer en spoilers), así como el comportamiento del hoyo negro supermasivo presente en gran parte de la película, el cual toma tintes fantásticos en el clímax de la película y parecen ser más otro elemento torcido para servir al dramatismo cursi de la película que un verdadero fenómeno espacial.</div>
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(SPOILERS EN EL SIGUIENTE PÁRRAFO)</div>
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Sin embargo, para mí el mayor problema de la película es la ausencia de un elenco de personajes completo e interesante en lugar de convertir a uno de ellos (Cooper) en el centro absoluto y eje de todo. Esto no sólo habla de la incapacidad de los guionistas de no crear personajes rémora que parasiten al personaje principal —mención especial Brand y Murphy, las únicas dos mujeres "fuertes" en el filme y que no tienen otro propósito más que seguir las órdenes de Cooper o vivir esclavizadas mental y sentimentalmente a él—, sino que además elimina toda incertidumbre o supuesto misterio de la película: la fuerza descomunal aplicada al personaje de Matthew McConaughey lo convierte invariablemente en causa y consecuencia de todo lo que pasa en la película, pues desde el principio se le otorga este aire cuasimesiánico y hasta profético. El gran misterio no es saber qué o quién es esta anomalía en la habitación de Murphy que enciende la película, sino saber cómo es que Cooper se convertirá en ella, pues, con la omnipotencia que se le da al personaje desde el principio, no es muy difícil deducir que él está detrás de todo: él es esa misteriosa mano que aparece de la nada y sin motivo quiere tocar a Brand; él es el misterioso fantasma que, por alguna razón desconocida (para los personajes), le dice "QUÉDATE". La contribución viene también gracias al personaje de Murphy, quien, sin mucha coherencia con el personaje, súbitamente convierte a su personaje en una especie de santo que soluciona todo, en la llave y la solución de todos los problemas.</div>
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(FIN DE LOS SPOILERS)<br />
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<img alt="Interstellar" border="0" src="http://i1300.photobucket.com/albums/ag87/William_Saints/Interstellar_zps2b927fd4.png" style="text-align: start;" /></div>
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Tampoco es que Interstellar no tenga aciertos, aunque casi todos vienen de su apartado técnico y de su score, compuesto por el asiduo de Nolan, Hans Zimmer. Visualmente tiene escenas increíbles (la entrada al agujero de gusano, la llegada al nuevo sistema planetario, el planeta frío...), además de jugar con el montaje y tomas que asemejan a grabaciones del despegue de archivo de la NASA. Sin embargo, mi elemento favorito fueron los robots CASE y TARS: con un diseño que homenajea al monolito de 2001..., su capacidad de adaptación y funcionamiento es ingeniosa —¿alguien había propuesto un funcionamiento mecánico así antes?—, además de resultar personajes más coherentes y divertidos que los personajes humanos. Como apunte muy personal, y pese a todo lo dicho arriba, la encontré más entretenida que <i>Gravity</i>; mientras que la de Cuarón se enfoca más en la introspección del ser y la realización de su nimiedad en el universo, Interstellar habla del atrevimiento de ir más allá, de conquistar la noche y de la aventura inherente a la exploración y el descubrimiento.</div>
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Interstellar, en conclusión, me parece una película que vale la pena verse, incluso con sus fallos. Su fascinación sobre lo desconocido y lo que hay más allá resulta incluso inspirador en el fondo, y en ese sentido, en uno muy subjetivo y personal, puede considerarse junto a los mejores clásicos del género de aventuras: lo que hay allá afuera nos hace tan pequeños como lo dejemos y puede maravillarnos tanto como lo deseemos.<br />
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<img alt="Interstellar" border="0" src="http://i1300.photobucket.com/albums/ag87/William_Saints/Interstellarposter_zps5f778378.png" /></div>
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<i><b>Interstellar</b></i></div>
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<i>Estados Unidos, Reino Unido: 2014</i></div>
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<i>Director: Christopher Nolan</i></div>
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<i>Protagonistas: Matthew McConaughey, Anne Hathaway, Jessica Chastain, Michael Caine</i></div>
William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-39522660944694742822014-10-27T11:37:00.000-07:002014-10-27T11:37:18.109-07:00Monstruos comecarne<div style="text-align: center;">
<img alt="Tokyo ghoul" border="0" src="http://i1300.photobucket.com/albums/ag87/William_Saints/Tokyoghoul_zps0f4175a2.png" /></div>
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Acorde al espíritu de las fechas, recomiendo una de mis series favoritas del verano. Terror, acción y gore, <b><i>Tokyo ghoul</i></b> me pareció una obra bastante llamativa y con personajes interesantes, además de una calidad de animación bastante buena.<br />
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<b><i>Tokyo ghou</i></b>l muestra la transformación de Ken Kaneki, un joven de 19 años, en un ser híbrido entre ghoul y humano: tras tener una cita con Rize Kamishiro y acompañarla a su casa ya de noche (dadas las noticias sobre apariciones de ghouls en la ciudad pero, sobre todo, como un gesto caballeroso que deja asomar intereses sexuales), Kaneki es atacado por la misma Rize, que resulta ser un ghoul. Buscando comérselo, Rize azota a Kaneki con sus extremidades ghoul (llamadas kagune), arrojándolo al final a un terreno en construcción con suma violencia y sangre de por medio. Finalmente, a punto de comérselo, varias vigas caen atravesando mortalmente a Kaneki y matando a Rize. La sorpresa para Kaneki vendrá al despertar horas después en un hospital: tras intentar salvarlos a él y a Rize -ella, al igual que todos los ghouls, puede verse perfectamente como humana a voluntad-, el doctor en turno decidió que, dada la muerte de Rize y la agonía de Kaneki, trasplantaría órganos de la primera al segundo, lo que le permite seguir viviendo pero inicia con la maldición: Kaneki eventualmente comenzará a ser invadido por un hambre atroz y, a la vez, desarrollará asco por la carne de animales, vegetales, frutas y cualquier comida "normal". Al punto de la demencia y solo en su casa -es huérfano-, una espectral aparición le dará la noticia: es un ghoul y necesita comer carne humana. La aparición, por otro lado, no es otra que la propia Rize, quien, de algún modo, ha logrado colarse a su conciencia a través de sus órganos.</div>
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<img alt="Tokyo ghoul" border="0" src="http://i1300.photobucket.com/albums/ag87/William_Saints/Tokyoghoul2_zps35f3c05d.jpg" /></div>
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El conflicto principal de Tokyo ghoul tiene que ver con la transformación de Kaneki y su reacción ante ello: de pasar primero al horror de descubrirse mitad monstruo, con hambre incontrolable por comer humanos, el protagonista posteriormente acepta su estado gracias a la intrusión de Touka Kirishima, una chica ghoul que sorprende a Kaneki resistiéndose a comer carne, y Yoshimura, un anciano ghoul que se dedica a ayudar a ghouls en problemas y darles un modo de vida "digno". Yoshimura es el dueño de una cafetería llamada Anteiku -aclarar que el café, además de la carne humana, es el único alimento que los ghouls pueden comer y que no los provoca asco-, que fue la visitó junto a Rize en su cita. Anteiku en realidad es una especie de santuario para ghouls, pues, además de funcionar como punto de reunión entre los monstruos, emplea únicamente a éstos, todo en aras de otorgar trabajo y un modo de vida "civilizado" a los ghouls que así lo deseen. Ésta es una de las sorpresas que más afectarán a Kaneki durante la serie y que lo ayudarán en su aceptación: el hecho de que los ghouls pueden ser personas civilizados y respetuosas con la vida humana. Y así, bajo la protección de Yoshimura y Touka, y junto a un nutrido grupo de secundarios, Kaneki inciará su nueva vida como mitad ghoul, no sin antes conocer el lado monstruoso de sus nuevos colegas y empezar a ser parte de un conflicto latente que podría afectar nos sólo a sus amigos y a otros ghouls, sino a todo Tokio y el mundo entero.</div>
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Los temas que maneja la serie, y que se pueden deducir de lo anteriormente escrito, son vistos desde la perspectiva de Kaneki, quien no sólo es nuevo dentro de esta sociedad de parias, sino que no es totalmente como ellos, al ser un híbrido humano-ghoul, lo cual le da capacidades distintas y una apariencia única: a diferencia de los demás ghouls, que al "transformarse" adquieren unos ojos negros y con iris roja, Kaneki sólo puede transformar uno de sus ojos, quedando el otro como el de un humano. Estos temas tienen que ver tanto con la historia personal de Kaneki (su vida pasada y las razones por las que es huérfano, el horror de convertirse en un monstruo, su viacrucis al resistir el hambre que lo domina e invita a comer amigos e inocentes...) y con los propios de lo ghouls (su lucha contra los humanos, en la que el propio gobierno japonés está involucrado y que busca el exterminio total de los monstrups; la convivencia entre ghouls, que puede ir desde la civilidad hasta el sadismo; su relación con los humanos y la perspectiva de cada ghoul al respecto...). Particularmente, me quedo con las reflexiones sobre qué es la monstruosidad y sus motivos: si en el caso de los ghouls, su repudio radica en que comen humanos, ¿qué nos hace pensar que no somos tan monstruos como ellos, nosotros que torturamos y matamos animales sólo para comer, a veces incluso sin hambre? Otra de las caras del conflicto humano-ghoul también será el de la percepción de los primeros sobre los segundos, el cual Kaneki experimentará en primer persona al conocer a una familia de ghouls cuyo amor entre ellos y el sadismo con el que los humanos los atacan le hará replantearse totalmente su identidad y su nuevo papel en la sociedad.</div>
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Visualmente, la serie es sumamente gore, por lo que la censura en Japón no se ha hecho esperar. Lo curioso es que no todo el gore es necesariamente violento, sino que habla del retrato lógico de unas criaturas que comen carne humana. La crudeza de las imágenes radica en la sutileza de la presentación, pues, a diferencia de los humanos, muchos ghouls no cocinan humanos, sino que se los comen siendo cadáveres. Más crudo aún resulta el sadismo de los ghouls que han decidido entregarse a su naturaleza más primitiva, llegando incluso a no distinguir entre humanos y otros ghouls y devorando a todos por igual, todo con tortura física y sicológica de por medio. La acción, que empieza aparecer a medida que avanza la serie y que alcanza su cenit en los últimos capítulos, también tiene su lado gore, aunque está más enfocada en mostrarnos lo que son capaces de hacer los ghouls en plena potencia. En este sentido la serie me recordó mucho a Hellsing, en donde los enfrentamientos no sólo son una demostración de golpeas y armas, sino también de la capacidad de usar la carne y sangre propias como herramienta de ataque.</div>
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Sus defectos, por otro lado, no me parecen tan evidentes y tienen que ver más con una cuestión de expectativas (al menos en mi caso). Uno de ellos tiene que ver con esta obsesión casi cliché del anime y de su cultura con el asunto de las maidens, los butlers y las cafeterías. En el caso de Tokyo ghoul esto cambia el registro visual y la conducta de los personajes, en especial de Kaneki: de los primeros capítulos, donde Kaneki vive en constante agonía física y sicológica en la oscuridad de su casa, cuestionando su propia identidad y su posible locura, pasamos en capítulos posteriores al ambiente brillante (metafórico y literal) de la cafetería, donde reina un cierto ambiente de conformismo y paz que refleja más el de un animal domado que el de un hombre civilizado. Aunque el punto servirá como contraste, justamente, para esos ghouls que no aceptan las reglas de sociedad humana, no deja de resultar un freno en el desarrollo del protagonista y de la mayoría de los personajes: la adopción de una vida aburrida y conformista.</div>
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El otro, y derivado casi en su totalidad del anterior, tiene que ver con el cambio del género: a partir de la aceptación de Kaneki como ghoul, el terror de la serie se pierde y pasa a ser acción sangriento, con conflictos que tienen que ver más con tácticas de ataque que con desarrollo de personajes. Esto no es necesariamente malo, pero creo que deja de lado un aspecto interesante de la serie que pudo dar para más.</div>
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Finalmente, destacar que la producción, a cargo del estudio Pierrot (Yuu Yuu Hakusho y Naruto, entre otros), es casi impecable: el acabado visual del Tokio nocturno es bastante decadente, con una atmósfera que vuelve peligrosa cualquier vuelta de esquina o callejón, contrario al Tokio diurno y prácticamente ajeno a la trama principal. Las secuencias de acción, con el uso de kagunes y quinques -armas que el escuadrón antighoul del gobierno hace con los kagunes de los ghouls muertos-, son sumamente fluidas y con secuencias y coreografías complejas. Del gore ciertamente no podría hablar mucho, ya que los capítulos que vi estaban censurados, pero hay un evidente ánimo por ser explícitos si la historia lo requiere.</div>
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Y un detalle más: el opening, El efecto caleidoscópico de algunas imágenes y el contraste de colores tan vivos me encantó.</div>
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<iframe allowfullscreen='allowfullscreen' webkitallowfullscreen='webkitallowfullscreen' mozallowfullscreen='mozallowfullscreen' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/0zoIPIa9FgY?feature=player_embedded' frameborder='0'></iframe></div>
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William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-44146130773046976002014-10-20T10:35:00.001-07:002014-10-20T10:35:26.000-07:00Batichica venti<div style="text-align: center;">
<img alt="Batgirl" border="0" src="http://i1300.photobucket.com/albums/ag87/William_Saints/Batgirl_zps788b873a.jpg" />
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Leí el nuevo 'Batgir', de Brendan Fletcher, Cameron Stewart y Babs Tarr. Está mono y todo, pero siento que está muy desesperado por ser un 'Hawkeye' o un 'Young Avengers' de Gillen y McKelvie (incluso un poco un 'Scott Pilgrim'). Se entiende que quieren darle un nuevo aire al personaje y darle más frescura y mundanidad pero, como en casi todo lo referente al universo cinematográfico, DC debería dejar de estar tan desesperado por hacer algo y más interesado y deseoso de construir algo. </div>
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Habría que pensar también a qué público va dirigido: poniéndola en contraste con 'Ms. Marvel' y Kamala (que es un personaje con una identidad cultural muy específica pero que no impide al lector sentirse identificado con ella), Barbara Gordon parece estar dirigida a "los hípsters", grupo que no necesariamente genera empatía en todos: en su primera aventura en esta nueva etapa, Babs se muda a un barrio hípster, despierta al día siguiente después de tener una fiesta llena de hípsters en su nuevo depa (hay una <a href="http://wac.450f.edgecastcdn.net/80450F/comicsalliance.com/files/2013/06/young-avengers-5-1372032499.jpg" target="_blank">escena/diagrama de la fiesta</a> que sigue el mismo esquema que en números de ‘Young Avengers’ y ‘Seconds’, de Bryan Lee O’Malley), va a una cafetería hípster por un café para la cruda, a alguien en el café le roban un iPad y Barbara decide que es el momento de ser superheroína y resolver un <i>first world problem</i>, descubre que le robaron su lap, idea un plan que consiste en hacerse de un perfil en una app de ligue a la Tinder (“Hooq”), descubre que el malo es DJ y que su gran plan tiene que ver con el manejo de información privada robada de smartphones (entre ellas “fotos privadas”)… En fin, que, más allá de alguna discusión teórica sobre qué es o no hípster, queda claro que la nueva Barbara se mueve en el mundo de las redes, los gadgets, las visitas frecuentes a Starbucks o símiles y las fiestas alternativas. ¿Habrá Batgirl más allá de todos estos detalles superfluos o estamos ante una serie sobre las vicisitudes de un grupo de personas cuya mayor preocupación son las redes, las fiestas y las tendencias?</div>
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Cabría hacer énfasis en el hecho de que hay una diferencia y distancia entre el nuevo mundo de Barbara y la propia protagonista: aún con lo abrumadoramente hueco que luce su nuevo mundo, Barbara tiene un aire naive –el momento en el que crea su perfil para Hooq– y mantiene una sencillez y rectitud atípica de una persona de su edad viviendo en el contexto en el que vive, o al menos del retrato común que suele hacerse del hípster en la cultura popular. En cuanto al tema del manejo de personajes femeninos como material onanista, Batgirl acierta en lo más elemental mostrando a Barbara en ropa interior (con una playera) sin hacer una escena porno de ello: una chica en bragas, con destellos de pudor y con proporciones y poses físicas comunes, sin (necesariamente) darle una carga sexual innecesaria e inexistente en el contexto específico de la escena, aun cuando ésta incluye un tipo guapo sin playera en la misma habitación.</div>
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Sin ánimo de reprobar la cultura hípster, pues no hay nada moralmente negativo en ella (o no más de lo que lo hay en otros grupos culturales), ojalá que la serie de Batgirl y el propio personaje vayan más allá de temas que, aunque son tendencias actuales entre cierto porcentaje de adolescentes y adultos, no suelen presentar situaciones de conflicto significativo o de crecimiento para el personaje (algo que, dado el retrato de Batgirl de una adolescente, es necesario). Y bueno, si la serie seguirá la misma tónica que el nuevo personaje, esperar que adopte el tono correcto como serie de humor ligero, y que no termine en constante baile entre una “historia seria” y una historia ligera de adolescentes. </div>
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William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-59145692779582084992014-06-26T22:17:00.000-07:002014-06-27T07:02:12.032-07:00Las dos cabezas de ‘Game of thrones'<div style="text-align: center;">
<img alt=" photo GameofThrones4" border="0" src="http://i1300.photobucket.com/albums/ag87/William_Saints/GameofThrones4_zps6b5bcbeb.png" /></div>
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En ‘Doctor Who’, la antediluviana serie británica sobre un alien que viaja por el tiempo y el espacio viviendo aventuras que ligera o considerablemente cambian el curso de la historia, el Doctor (mencionado alien y protagonista) resume su ética de travesías en el hecho de que el flujo del tiempo –pese a poder ser alterado (y alterarse a sí mismo) en mayor o menor medida– tiene puntos inamovibles: eventos que, en conjunto, sirven como esqueleto de ese un organismo conocido como timestream, y que, por lo mismo, no deben ser alterados, so riesgo de que la realidad misma colapse. Cuando ocurrió algo así, la serie desembocó en un paisaje terrestre cuasionírico, con personajes de todas las épocas que convergieron en lo que se supuso erea el presente; y había elementos que no obedecían a ninguna lógica física.</div>
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Un poco así concebía yo el entramado de la versión televisiva de ‘Game of thrones’, basada en la saga literaria de ‘A song of ice and fire’, pero pese a que la serie podía ir y venir en detalles pequeños a través de la historia, me parecía –a mí y a muchos– que había detalles que era imposible alterar, por lo que debían estar ahí para mantener cierta coherencia con la trama televisiva.</div>
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No obstante, la recién terminada cuarta temporada vino a tambalear esa seguridad, que aunado al hecho de que la versión en TV se acerca más a los libros, y que George R.R. Martin no tiene prisa por continuarlos, podría darnos una bifurcación que, pese a sus similitudes, haría de ‘Game of Thrones’ un producto diferente en la televisión al de los libros.</div>
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Este cambio se hizo más obvio en la cuarta temporada, en la que, más que cambios considerables, la serie comenzó a aportar información que no aparece en los libros. El caso particular: el capítulo ‘Oathkeeper’. Al final vemos cómo uno de los bebés de Craster es llevado por un caminante blanco (white walker) a una suerte de castillo o fortaleza hecha de hielo, que se infiere está en las tierras del invierno eterno. Ahí hay un grupo de caminantes blancos en actitud ceremonial, pues uno –que parece portar una corona– toca al bebé en la mejilla y lo transforma en uno de ellos.</div>
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La escena es relevante porque le da una nueva dimensión a los white walkers (organizados y aparentemente gobernados por un rey); revela su origen, cómo se reproducen y echa luz a un misterio menor de la serie (qué ocurría con los bebés de Craster… porque yo pensé que se los comían, jo) y nos localiza en una parte de Westeros que, aunque no se especifica, queda claro que es las tierras del invierno eterno (la parte norte del continente, mucho más allá del Muro, a donde el verano nunca llega).</div>
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Ahora, ¿qué implica esta revelación? ¿Abona únicamente a la mitología de la serie o también será canónica en la saga literaria? Aunque no contradice nada establecido en los libros, extraña que la revelación sea aquí, en un producto derivado y no en la obra de origen. Si esto implicase que, a partir de aquí, la serie empezará a marcar distancia con los libros, algunos cambios trascendentes tendrían sentido (la muerte de Jojen Reed, por ejemplo) y al mismo tiempo explicaría la ausencia de muchos elementos que, si bien en los libros no terminan de revelar su importancia, es claro que forman parte de algo más grande.</div>
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Otro dato que apoyaría la teoría de que el producto televisivo buscaría apartarse de los libros,radica en que esa trama está a una temporada de alcanzar la historia literaria, por lo que, aunque se publicara el siguiente tomo durante el próximo año, las temporadas subsecuentes (6 y 7, por lo menos) terminarían agotándolo –si se sigue el ritmo que hasta ahora se ha tenido con las adaptaciones–, y dado el arco de publicación actual, es probable que no se vea otro libro en al menos 4 años, con lo que la serie se quedaría sin material literario para alimentarse.</div>
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Por ende, es necesario hacer una lista de los cambios significativos en la serie, con ausencias que (dado el orden cronológico en los libros) deberían haber aparecido ya en pantalla…Aunque, claro, eso no implica que no los veamos en próximas temporadas.</div>
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<b>-Lady Stoneheart</b></div>
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La ausencia más significativa de la temporada 4 es la de este personaje, pues es una mujer misteriosa que, tras la boda roja, empieza a hacerse notar en la región del Tridente, acompañada de un grupo de forajidos, conocido como la Hermandad sin Estandartes, a la que parece dirigir tras la ausencia de Beric Dondarrion, quien peleó contra el Perro (The Hound) durante la temporada 3. La importancia de Stoneheart es crucial porque –sorpresa– es otra una revivida Catelyn Stark, quien, tras la boda roja es encontrada por los bandidos y traída a la vida por Thoros de Mir, bajo órdenes de Beric, el caballero resucitado quien decide darle su “vida” a la señora Stark. Aunque en el libro aún no ha realizado alguna acción crucial, su futuro parece estar sumamente enlazado al de Brienne de Tarth y Jamie Lannister, pues esta dama busca venganza contra quienes la traicionaron (la primera) y aquellos que realizaron la masacre en el castillo Frey (el segundo).</div>
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<b>-Nymeria</b></div>
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Sí: la Hermandad encontró el cadáver de Catelyn Stark a orillas del río, pero ellos no fueron quienes lo llevaron hasta ahí. Después de ser arrojada al río (en clara burla a los ritos fúnebres de su familia), Nymeria, la loba de Arya Stark, a la que perdimos de vista en el primer libro y la temporada 1, en la saga y la serie, respectivamente, es la que la trae de vuelta. Nos enteramos de ella gracias a Arya, quien tiene un sueño en el que corre por el bosque, huele un aroma familiar y se lanza al río, donde encuentra el cadáver de una persona a la que ama mucho. El dato revela que Arya, al igual que su hermano Bran, es capaz de meterse en la piel de su loba, y que ella sigue viva y fortaleciéndose, pues otras tantas “visiones” de la niña, incluso del otro lado del mundo, nos lo hacen saber. ¿Habrá reencuentro entre Arya y su poderosa loba en un futuro?</div>
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<b>-El cuerno de Joramun y el hijo de Mance Ryder</b></div>
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Cuando Jon Snow se une a los salvajes se entera de dos cosas: una de las metas de su nueva tribu es encontrar el Cuerno de Invierno, que se dice perteneció a Joramun, un Rey Más Allá del Muro, muerto hace miles de años y que puede despertar a los gigantes y derribar el Muro; y la otra es que Mance tiene una concubina llamada Dalla, quien es su consejera. Cuando Snow vuelve a negociar la tregua tras el asedio al Black Castle, se encuentra con que Mance Ryder lo ha hecho suyo (tras saquear cientos de tumbas) y que, además, Dalla ha dado a luz justo al hijo que concibió con Ryder, aunque ella murió durante el parto. El niño tendría importancia, pues al ser el “príncipe salvaje” e hijo de un rey, Melissandre y Stannis, aposentados ahora con la Guardia de la Noche, podrían usarlo para uno de sus sacrificios rituales.</div>
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<b>-Los Greyjoy y Cuerno Dragón</b></div>
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Aunque cronológicamente aún es factible que su historia no ocurra dentro de la trama de la serie, resulta extraño no tener noticias sobre el posible elenco para los demás miembros de la familia de Theon, pues su historia se antoja crucial para el desarrollo de la trama televisiva. Tras la muerte de Balon Greyjoy, el patriarca de la familia, Aeron Greyjoy (ya presentado en la temporada 2) llama a asamblea de sucesión. Los candidatos son varios, aunque resaltan tres: Asha Greyjoy, hermana de Theon; Victarion Greyjoy, hermano de Balon y tío de Asha y Theon, y Euron Greyjoy, “Ojo de cuervo”, hermano rebelde de la familia y quien, al momento de la elección, revela tener en su poder el Cuerno Dragón, que al ser tocado puede controlar a los dragones que lo oigan. Al ser elegido, Euron comanda a su hermano, Victarion, a dirigirse en busca de Daenerys Targaryen junto con el cuerno, para desposarla y hacerse del control de sus dragones.</div>
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<b>-Jojen Reed sigue vivo</b></div>
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Pues eso: a diferencia de la serie, Jojen Reed sigue vivo, aunque enfermo. Aunque su papel en los libros aún parece no terminar, su muerte en la serie significaría que en realidad el personaje ya no tiene nada que ofrecer (aunque eso es un spóiler para los lectores).</div>
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Los caminos pueden ser varios, pero al mismo tiempo arriesgados. La trama televisiva ha demostrado que puede vivir sin seguir al pie de la letra lo escrito por R.R. Martin, pero ¿qué tanto alejaría la historia de lo concebido por la mente original? Sin duda, un camino que no necesariamente tendría que continuar, tomando en cuenta el fanatismo que se ha generado con esta serie, y la atención de un público masivo que le dado visibilidad a un autor y una historia que antes eran de nicho. #MainstreamIsComming</div>
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<img alt=" photo GameofThrones4" border="0" src="http://i1300.photobucket.com/albums/ag87/William_Saints/GameofThrones41_zps0a92557b.jpg" /></div>
William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-8266283689207279802014-05-27T22:18:00.000-07:002014-05-28T08:03:17.007-07:00Días que fueron y no serán<div style="text-align: center;">
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<img alt="Dofp" border="0" src="http://i1300.photobucket.com/albums/ag87/William_Saints/X-MenDofp1_zps5d50ef77.jpg" />
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No creo que <i>X-Men: Days of future past</i> (2014) "arregle" la saga cinematográfica en el sentido del que todos hablan, pues arreglarla implicaría hacer funcionar los viejos elementos de ésta o darle sentido y coherencia a lo ya establecido. El asunto es más una cuestión de borrón y cuenta nueva a conveniencia, en la que, sí, se mantienen ciertos lineamientos básicos, pero para cualquier persona que analice a fondo la situación de la franquicia (películas en solitario de Wolverine de por medio), verá que lo que ha hecho la nueva entrega cinematográfica de Bryan Singer es un cúmulo de contradicciones y hoyos argumentales que, pese a todo, se sostiene con solvencia en lo elemental.</div>
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Fuera de ello, y habiéndolo señalado más como un detalle que como una queja, me es imposible, como fan de los mutantes, hablar mal de <i>Días del futuro pasado</i>, pues en ella convergen varios elementos que me fascinan: por un lado, el mero hecho de ser una película de superhéroes me pone indulgente ante la situación, una debilidad de la que nunca he renegado, pues prefiero disfrutar antes de amargarme la experiencia; un elenco inmenso en cantidad y calidad, por otro lado, que se disfruta tanto por ser el encuentro de la vieja saga cinematográfica como por su calidad actoral per se, aún con una cantidad considerable de personajes desaprovechados, y, finalmente, el regreso de Bryan Singer a la silla en la filmografía mutante, noticia que para el cinéfilo promedio no debería tener significado especial, pero para los que disfrutamos los inicios de la franquicia en cine dice mucho.</div>
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La historia es una adaptación de una de las más famosas historias de los mutantes (<a href="http://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/2/2a/X-Men_v1_141.jpg">cuya portada, por cierto, es considerada como la más homenajeada y parodiada en la historia de los cómics</a>) en la que, en un futuro dominado casi en su totalidad por centinelas, los X-Men sobrevivientes deciden mandar al pasado a uno de sus integrantes y evitar el asesinato de un funcionario político que desatará una ola de odio antimutante. En el caso de la película, el elegido para viajar al pasado es Wolverine (Hugh Jackman), quien, instruido por los viejos Charles Xaver (Patrick Stewart) y Magneto (Ian McKellen) y ayudado por Kitty Pryde (Ellen Page) en el proceso de "traslado de conciencia", despertará en su cuerpo en los años 70 y buscará a los jóvenes Xavier (James McAvoy) y Magneto (Michael Fassbender), todo para detener el asesinato de Bolivar Trask (Peter Dinklage), creador de los centinelas, a manos de la mortífera Mystique (Jennifer Lawrence).</div>
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<img alt="Dofp" border="0" src="http://i1300.photobucket.com/albums/ag87/William_Saints/X-MenDofp2_zps610db112.jpg" />
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Recordando al movimiento de J. J. Abrams en <i>Star Trek</i> (2009), Singer aprovecha el pretexto para reescribir algunas cosas de la vieja trilogía, no sin dejar los sendos hoyos argumentales y de coherencia ya mencionados. En todo caso, la tolerancia al respecto ha sido casi unánime, pues permite deshacer malas decisiones argumentales, especialmente en <i><b>X-Men: The last stand</b></i> (2006), y da espacio a alguna posible continuación de la vieja trilogía, o bien, a su cierre de modo decoroso y hasta emotivo. El desarrollo de ambas historias durante la cinta es equilibrado, dejando al futuro para escenas de acción, bien ejecutadas y con despliegue apantallante de efectos, y el presente para desarrollar a los jóvenes personajes y el conflicto nuclear. De la línea temporal iniciada en <i><b>X-Men: First clas</b></i><i><b>s</b></i> (2011), por otro lado, aún quedaría mucho que decir, y entre cierta escena postcréditos y ciertos guiños a nuevos mutante y situaciones, se ve que hay un plan a largo plazo para más películas.</div>
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Sus problemas, en todo caso, me parece que son mínimos y tienen que ver con lo habitual en elencos grandes, donde siempre hay personajes que quedan como mera decoración. En este caso quedan de lado dos de los personajes que, se supone, serían básicos en la historia: Mystique, intepretada por Jennifer Lawrence y que desde la película anterior resultaba un personaje sin brillo ni personalidad (y muy distinto de su contraparte del cómic, donde es una asesina despiadada) y Bolivar Trask, interpretado por Peter Dinklage (en boca de todos por su papel como Tyrion Lannister en la serie <i>Game of thrones</i>), cuyo personaje, que se supone el enemigo central, parece que nunca termina de despegar y se queda en meros retazos de algo que pudo ser (¿un Mengele antimutantes?) y en ocasiones es sólo anecdótico. Ambos personajes pasan de estar involucrados con el McGuffin a ser parte de él, volviéndose tan trascendental como éste. Quien mejor sale parado es, de lejos, Evan Peters como Peter Maximoff: vapuleado en primeras imágenes del personaje por lo “ridículo” de su look, logra un personaje carismático y atractivo, con la mejor escena de acción de la película (tanto por su despliegue técnico como por su irreverencia) y que, confirmación mediante, volverá para la secuela.</div>
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Hablar de qué hace grande la última película de los Hombres X sería hablar desde el corazón del fan, pero me parece que, más allá de las habituales quejas sobre fidelidad al cómic, hay poco que se le pueda criticar negativamente (y con fundamentos) a la cinta. Si bien la proeza de desarrollar un guión en el que convergieran cuatro películas previas no es perfecta en los detalles (y, como mencione, deja varias cuestiones argumentales flotando), en lo general resulta un logro no tanto cinematográfico, sino de amor a la franquicia.</div>
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<img alt="Dofp" border="0" src="http://i1300.photobucket.com/albums/ag87/William_Saints/X-MenDofp3_zpsbeade914.jpg" /></div>
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<i><b>X-Men: Days of future past</b></i></div>
<div style="text-align: center;">
Estados Unidos, Reino Unido: 2014</div>
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Director: Bryan Singer</div>
<div style="text-align: center;">
Proatagonistas: <i>Hugh Jackman, James McAvoy, Michael Fassbender, Patrick Stewart, Ian McKellen, Jennifer Lawrence</i></div>
William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-43566957094972463212013-08-01T15:32:00.000-07:002013-08-02T13:45:00.469-07:00La era de Ultron<div style="text-align: center;">
<img alt="Age of Ultron" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/AgeofUltron9.jpg" /> </div>
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Terminó de publicarse en México el primer evento de Marvel Comics de este año, <b><i>Age of Ultron</i></b>, el cual suponía el punto final definitivo a la andanza del guionista Brian Michael Bendis con la serie de los Avengers. Con dos meses y medio de pubicación semanal, y prácticamente un mes de diferencia con el final de la saga en Estados Unidos —¡Bien ahí, Marvel México!—, la serie finalizó apenas el lunes pasado, resultando con la sorpresa grata de una portada alternativa con <a href="http://marvel.com/news/story/20678/preview_angela_in_age_of_ultron">cierto personaje de otra editorial que ahora andará dando tumbos en Marvel...</a></div>
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Habría de entrada que considerar algo importante: <i>Age of Ultron</i> no fue planificado para lanzarse este año, sino el año pasado. Es importante por el hecho de que<a href="http://xmanscomicblog.blogspot.mx/2010/09/avengers-5.html"> los ecos de su existencia se remontan al 2010</a>, donde, recién terminado <i>Siege</i>, el evento que acabó con el poder de Norman Osborn y que concluyó con la caída de Asgard y la muerte de Sentry, los mandamases de Marvel anunciaron que seguía una "era heroica", donde las historias serían más brillantes y tendrían un sabor a clásico de antaño. En el caso de<i> Avengers</i>, a cargo en aquel entonces de Bendis y el dibujante John Romita Jr., el primer arco de esta era heroica involucró viajes en el tiempo y la amenaza de Ultron en el futuro, lo que obligaría a algunos Vengadores a combatirlo en su tiempo para encontrarse con esto:</div>
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<a href="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/TimelineAvengers.jpg"><img alt=" photo TimelineAvengers" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/TimelineAvengers-copia.jpg" style="text-align: start;" /></a><br />
<span style="font-size: x-small;"><i>Click para agrandar</i></span></div>
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En dicha línea del tiempo, el viejo Tony Stark del futuro le explica a su versión joven sobre los sucesos que llevaron a la "Ultron War", detallando todo en frases sin sentido aparente que derivaron en largas teorías de los fans por saber qué significaban (en aquel entonces) y que, ahora con los años, hemos visto como casi todos esos eventos —el regreso de Hope Summers y Daredevil, la muerte de Johnny Storm ("Three!"), <i>Fear Itself </i>("Who is worthy?") y el cisma dentro de los X-Men, entre otros— se han cumplido... además de otro no mencionado y que resultó de trascendencia capital para el actual universo Marvel:<b><i> Avengers vs. X-Men</i></b>. ¿Por qué un evento tan crucial para el status actual de los personajes de la editorial no aparecía en aquella imagen profética? Simple: nunca estuvo planeado, y surgió casi espontáneamente, como una medida por recuperar el terreno que por aquel entonces DC Comics les (medio) comía gracias a sus nuevos 52. Y así, cuando originalmente estaba planeado que, tras <i>Siege</i> (2010) y<i> Fear Itself</i> (2011), la "Ultron War" ocurriera en 2012, se decidió arrumbar ésta para darle paso a un evento que desde su premisa dejaba ver la intención: potenciar las dos franquicias más atractivas de Marvel para lograr récords de venta. Qué tanto afectó la decisión de guardar la historia es algo que podría discutirse, pero un par de cosas sí quedaron claras:</div>
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1.- La historia se volvió anacrónica dentro de su propia continuidad, generando incluso ciertas incoherencias con el statu quo tras<i> Avengers vs. X-Men</i>. Un ejemplo: cerca de la publicación del último número, se reveló que Charles Xavier jugaba un papel importante en el evento, pero tuvo que ser sustituido a causa de su muerte a manos de Cyclops en <i>AvsX</i>.<br />
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2.- El evento se ahogó tanto por saturación de otros eventos —hacía unos poco meses terminaba <i>AvsX</i> y sólo unas cuantas semanas después de <i>Age of Ultron</i> inicia <b><i>Infinity</i></b>, que se podría decir que es el evento editorial oficial de Marvel en 2013—, generando hartazgo y cansancio en algunos lectores por el imparable revoltijo de eventos en Marvel. </div>
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<div style="text-align: justify;">
3.- Se hizo evidente que, tras tantos meses y con <i>AvsX</i> de por medio, se tuvieron que cambiar detalles del evento, siendo el principal la incorporación de <b>Angela</b>, personaje de <i><b>Spawn</b></i>, serie que pertenece a otra editorial (Image Comics), al universo Marvel. La incursión fue posible gracias al escritor Neil Gaiman, quien recientemente había ganado legalmente la custodia compartida del personaje y podía usarla en lo que quisiera. Si bien la aparición de Angela no resultó necesariamente trascendente a la hora de cambiar la historia de <i>AoU</i>, sí dejó ver la serie de mutaciones de la historia original de Brian Michael Bendis, generando críticas de algunos sectores. </div>
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<div style="text-align: justify;">
4.- Y, finalmente, que <b><i>Age of Ultron</i> "se le quemó" a los de Marvel</b>: retomando un poco el punto dos, se evidencia que, con un hype considerable a cuestas —recordemos no sólo que era un evento anunciado hace casi tres años, sino que prometía una actuación estelar de Ultron, uno de los villanos más queridos de los Vengadores—, <i>Age of Ultron</i> no logró llenar las expectativas de crítica y de fans, resultando su publicación en una mera formalidad hacia los fans, a los que tenían babeando desde hace años, y al propio Bendis, pues siempre se manejó que esta sería el gran acto final del escritor durante su etapa en <i style="text-align: justify;">Avengers</i><span style="text-align: justify;">. Se tornó, eso sí, en la oportunidad perfecta para Marvel no sólo para presentar a la mencionada<b> Angela</b>, sino también para potenciar otras series Marvel como <b><i>Guardians of the Galaxy</i></b>, con una películas ya en ciernes (y a donde ha ido a presentarse el personaje de Angela por el momento) y su cada vez más moribundo universo Ultimate, con la transportación del Galactus clásico hacia la tierra de Miles Morales y compañía.</span>
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<img alt="Age of Ultron" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/AgeofUltron2.jpg" /></div>
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Sobre el punto del hype creo que hay mucho que decir, pues a final de cuentas es uno de los factores que le jugaron peor a Marvel: en el mencionado arco de <i>Avengers</i> en el que se presentó la línea de tiempo futura, Ultron había colonizado la tierra con una guerra apocalíptica de por medio, presentándose prácticamente como el vencedor y elevándolo al nivel de supervillano que muchos consideran que siempre ha merecido. Es a partir de ahí que el <i>fandom</i> dio por hecho que, si bien no veríamos tal cual los sucesos mostrados en aquel futuro catastrófico, el poder de devastación de la inteligencia artificial se desplegaría al máximo en dicha historia. ¿Y cuál ha sido la realidad? Que la presencia de Ultron ha sido prácticamente nula, siendo la causa de una serie de eventos algo confusos que involucran viajes en el tiempo y lineas temporales alternas, pero no el foco central de éstos. Peor aún: Bendis cae en su acostumbrada práctica de extender historias innecesariamente, contando algo que se pudo finiquitar en la mitad de los números empleados e hinchando aún más no sólo la ausencia del ¿villano principal? de la serie, sino de la vacuidad de la misma.<br />
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De los artistas decir que todos cumplen, sobresaliendo Bryan Hitch quien, se suponía, sería el único dibujante del evento. Brandon Peterson, el segundo dibujante principal de saga, realiza un trabajo bastante correcto, aunque no puedo quitarme la sensación de que sus dibujos son demasiado estáticos, afectando a la fluidez de la narrativa. Además, de los mencionados, se pasean por alguno de los diez números Carlos Pacheco, Alex Maleev, David Marquez e incluso Joe Quesada, que, si bien contribuyen una historia plural artísticamente hablando, también contribuyen a una falta de cohesión en una historia en la que, llegado a cierto punto, las distintas líneas temporales se distinguen justamente por los artistas que la trabajan.</div>
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<span style="font-family: Georgia, serif; font-size: x-small;"><span style="line-height: 20.796875px;"><br /></span></span></div>
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<div style="text-align: justify;">
<span style="line-height: 20.796875px;">Concluyendo, definitivamente no fue el año para<i><b> Age of Ultron</b></i>. Resulta una pena que la despedida de Bendis de las series de Avengers resulte tan anticlimática y opacada por incidentes ajenos a la propia serie; no obstante, la situación para el escritor tan poco es para llorar, pues las actuales series que guioniza </span></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="background-color: white; font-family: Georgia, serif; font-size: 13px; line-height: 20.796875px;">—Uncanny X-Men, All New X-Men, Ultimate Spider-Man y Guardians of the Galaxy</span><span style="background-color: white; font-family: Georgia, serif; font-size: 13px; line-height: 20.796875px;">— gozan de muy buena salud artística y de ventas. Finalmente, y como curiosidad, mencionar que en la recién terminada Comic-Con de San Diego de este año se anunció el título de la secuela de la película de los Vengadores:<b><i> Avengers: Age of Ultron</i></b>. Aunque de inmediato salieron a decir que no sería una adaptación de la recién terminada saga, aclararon que, evidentemente, Ultron será el villano principal, y no Thanos, como se creía. Habrá que estar al pendiente de la historia y ver si hay mejor suerte con esta nueva historia de Ultron.</span></div>
<span style="background-color: white; font-family: Georgia, serif; font-size: 13px; line-height: 20.796875px;">
<br />
</span><br />
<div style="text-align: center;">
<span style="background-color: white; font-family: Georgia, serif; font-size: 13px; line-height: 20.796875px;"><img alt="Age of Ultron" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/AgeofUltron7.jpg" style="text-align: start;" /></span></div>
<span style="background-color: white; font-family: Georgia, serif; font-size: 13px; line-height: 20.796875px;">
</span>
William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-39902216768088637832013-07-29T15:57:00.000-07:002013-07-29T15:57:16.914-07:00Monstruos del espacio interior<div style="text-align: center;">
<img alt="Pacific Rim" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/PacificRim.jpg" /></div>
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<div style="text-align: justify;">
Hay poco qué decir de <i><b>Pacific Rim</b></i> (2013):</div>
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La primera, es porque es una película sin pretensiones de fondo. Guillermo del Toro, uno de los "directores geeks" contemporáneos con más prestigio, fue efusivo durante la promoción de su película en que lo que se ve es lo que hay, diciéndonos que esperáramos "<a href="http://salondelmal.com/2012/07/14/guillermo-del-toro-y-el-panel-de-pacific-rim-esperen-porno-robotico-obsceno-accion-de-robot-sobre-kaijus/">porno robótico obsceno, acción de robot sobre kaijus</a>". De ahí que sea en la forma donde reside lo más llamativo: el diseño de los mechas y los monstruos, las escenas de desmadre y destrucción urbana y los momentos de desplante militar y de valentía, con ese discurso de Stacker Pentecost (Idris Elba) como uno de los momentos cumbre de la película. </div>
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Tomemos, por ejemplo,<b><i> Evangelion</i></b>. La comparación entre ambas obras ha sido recurrente por su similitud y porque, a diferencia de otras series o películas con mechas, <i>Evangelion</i> goza de un lugar especial dentro del género; sin embargo, más allá de la similitud de la premisa —una serie de monstruos ataca a los humanos y estos se defienden usando mechas que combaten cuerpo a cuerpo con la amenaza—, el enfoque y contexto son distintos: Evangelion trabaja sobre misticismo religioso, sobre existencialismo y sobre personajes emocionalmente fracturados que sufren de igual modo los ataques de la alimaña en turno que el hecho de que el papá no los haya abrazado nunca, mientras que Pacific Rim prescinde de todo ello y, a diferencia de la mencionada serie, que se regodea en su aire de misterio, la obra del Del Toro prefiere dejar todo en claro y pasar directamente a la acción, con unos personajes con poca complejidad pero mucho espíritu de combate, cayendo incluso en el cliché del negro fuerte y con presencia, el estadounidense noble y valiente y la japonesita delicada y kawaii (a su modo). En ese sentido, es más acertado comparar a <i>Pacific Rim</i> con otro clásico de las producciones japoneses de mechas: <i><b>Mazinger Z</b></i>: historia simple, personajes con motivaciones sencillas y el drama inherente a ser una potencial victima de la criatura en turno por estar dentro del robot. Pero las comparaciones resultan ociosas, pues a final de cuentas, se busque o no, Pacific Rim no pretende distinguirse del género ni tampoco ser su estandarte: quiere estar en el género en el sentido más básico y tradicional, por el puro placer del espectáculo.</div>
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Y ese podría ser uno de los problemas de <i>Pacific Rim</i>: es mucho espectáculo... y nada más. Los personajes funcionan como meros engranes para que la historia avance y todo lleve a las batallas entre jaegers y kaijus, sin desarrollar a los personajes. Quien llega a salvarse un poco es Mako Mori (Rinko Kikuchi), pues es la única que sufre una suerte de "evolución" durante la trama, además de ser el personaje con la mejor escena en toda la película: un flashback a la niñez (interpretado grandiosamente por la pequeña Mana Ashida) que habla de los miedos y traumas detrás de su modo de ser, y logra atisbar la percepción general de terror y miedo en la que vive la humanidad. Es, quizá, el personaje más complejo y más trabajado, aunque no deja de ser un tanto plano.</div>
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Pero, sin duda, son los kaijus y los jaegers el plato fuerte de la película: desde el diseño de arte, que crean monstruos orgánicos y mastodónticos y jaegers que, tratando de emular la tecnología actual, resultan modelos toscos y brutos de guerreros gigante, hasta la dirección de cámaras y el montaje de escena, <i>Pacific Rim</i> puede presumir de, ahí sí, ser una película distinta, con escenas de acción que están el servicio del visionado y que se preocupan por poner al espectador en la batalla. Mención especial al trabajo en 3D, que aunque no es indispensable, trabaja para ponernos aún más en el campo de batalla.</div>
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Es una película imperfecta, sin duda, pero, como consideración personal, resulta sobresaliente. Viviendo en estos años donde el blockbuster se dedica al CGI sin razón ni sentido, y sin cuidar un mínimo el trabajo cinematográfico de por medio, se agradece el buen trabajo de parte de Guillermo del Toro y compañía en este rubro. Y agradezco la sinceridad y claridad de la cinta: podrá ser sencilla, y poco original, pero derrocha pasión, mimo y respeto hacia el género de los monstruos y hacia la infancia de muchos de gran parte del fandom.<br />
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<img alt="PacificRimPoster" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/PacificRimPoster.jpg" style="text-align: start;" /></div>
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<div style="background-color: white; font-family: Georgia, serif; font-size: 13px; line-height: 20px; text-align: center;">
<b><i>Pacific Rim</i></b></div>
<div style="background-color: white; font-family: Georgia, serif; font-size: 13px; line-height: 20px; text-align: center;">
<i>Estados Unidos; 2013</i><br />
Director: <i>Guillermo del Toro</i></div>
<span style="background-color: white; font-family: Georgia, serif; font-size: 13px; line-height: 20px; text-align: center;">Protagonistas: <i>Charlie Hunnam, Rinko Kikuchi, Idris Elba, </i></span><span style="font-family: Georgia, serif; font-size: x-small;"><span style="line-height: 20px;"><i>Diego Klattenhoff, </i></span></span><i style="font-family: Georgia, serif; font-size: 13px; line-height: 20px; text-align: center;"> Charlie Day, Burn Gorman </i></div>
William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-38192862400583647152013-06-17T12:38:00.003-07:002013-06-18T16:30:14.249-07:00El hombre venido a la Tierra<div style="text-align: center;">
<img alt="Superman" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Superman.jpg" />
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Mis historias favoritas de Superman siempre han sido una mezcla de tres ingredientes, o al menos algunos de ellos: la falta de solemnidad, el tema crianza contra naturaleza y, sobre todo, la capacidad de maravillarse. No es casualidad que <i>All-Star Superman</i> sea uno de mis cómics favoritos y uno de los infaltables en la numeración de las grandes historias del hombre de acero: tenemos, por un lado, a un Superman bonachón y atrevido, mundano dentro de lo posible, que explota su lado más humano (posible) al saberse mortal como todos y que decide viajar por su pasado y su presente y juguetear con su posible futuro. La película de Richard Donner, la primera superproducción basada en superhéroes de la historia del cine, cumple en todos los apartados, especialmente en el del asombro: la escena del helicóptero, en el que Lois Lane está a punto de encontrar la muerte y es salvada por Superman, es un momento de maravilla y emoción pura no sólo de parte de los personajes en la cinta, sino de parte del espectador. Es un momento en el que el asombro es unánime dentro y fuera de pantalla, y en el que se cree, como decía la publicidad de aquel, que un hombre en verdad puede volar.</div>
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En<i><b> Man of Steel</b></i> (Zack Snyder, 2013) lamentablemente —para mí— no existe tal sentimiento de maravilla, ni dentro ni fuera de la pantalla. Existe una crisis en torno a la doble naturaleza de Superman, sí, pero tiene un tratamiento tan frío y mal manejado que no pasa de lo anecdótico y, definitivamente, todo es una oda a la solemnidad que, si como mínimo aburre, en ocasiones llega incluso a molestar.</div>
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Es esto último lo que a casi nadie se le ha escapado, pues el asunto de esta solemnidad viene de la mano con el retrato de Superman como ser mesiánico, como un Jesucristo moderno: un ser venido de otro mundo con dones semidivinos se enfrenta, a sus 33 años, al sacrificio personal para salvar a todo el mundo, enfrentando después a un agente caído que, en su ambición, busca estar por encima de su propio nivel y función. El asunto no termina ahí, pues la analogía cristiana viene en escenas tan gráficas y explícitas que resulta hasta bochornoso: un Clark Kent dubitativo ante el acontecer, que va en busca de iluminación espiritual a una iglesia (en la cual el trabajo de cámaras se limita a encuadrar a Kent y un vitral de Jesús en una misma escena), un Superman que tras el sacrificio sale de su cueva renacido a los ojos de sus creyentes —tras la pelea con los secuaces de Zod, en la que me parece la escena más descarada en todo este asunto de la comparación con Jesús de Nazaret—.</div>
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No creo que todo este rollo sea necesariamente malo, pero es una óptica muy pobre y con visión limitada para abordar la mitología de Superman, centrándose más en la idolatría general de los estadounidenses a la figura cristiana que en aprovechar las oportunidades que el mito del último hijo de Krypton puede ofrecer. Y he ahí mi gran problema con la película: es hecha por estadounidenses para estadounidenses. En este sentido, podría decir que se corrompe mucha de la esencia de Superman y de sus personajes en un supuesto intento de traer al personaje a los tiempos modernos: en lugar de resultar una maravilla naciente, Kal-El pasa a convertirse automáticamente en una amenaza terrorista a causa del mensaje de Zod, quien lo señala como su semejante. El gobierno, temeroso a las posibilidades, antes de intentar entenderlo o incluso negociar con él opta por contenerlo y encarcelarlo desplegando su poder militar, mensaje que seguirá hasta el último minuto de la película. Nadie se maravilla: al contrario, el terror los invade a todos y se busca sacrificarlo y hasta exterminarlo. La paranoia estadounidense en su máximo esplendor.</div>
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Otro ejemplo, y éste quizá muy personal, es el de la destrucción de Metrópolis: más que temer o huir del ataque alienígena en sí, los ciudadanos huyen de la destrucción y de los edificios que se derrumban, de las nubes de concreto que se despliegan y que terminan siendo el verdadero enemigo, siendo la escena culminante de esta situación el rescate bajo los escombros de una civil, atacada no por fuerzas alienígenas, sino por el terror de la destrucción urbana. Hay escenas que, incluso, me parecen calcadísimas de las que en su momento se presentaron de las personas del 11-S, con gente corriendo despavorida por las calles.</div>
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Y, finalmente, está Superman mismo. Cuando la idea original de Superman es, sí, la del boy scout, el personaje de esta película pasa de ser un hombre que, literalmente, recibe el manto como protector de dos mundos, con toda una escena ceremoniosa, a ser uno que destruye e incluso llega a matar sin la menor consideración, en un festival de (excelente) CGI que, aunque emociona a nivel visual y en un sentido muy primitivo, se torna insulso ante un total quiebre de paradigmas que la propia película previamente había establecido, convirtiendo al superhéroe en un ser insensible y sin conciencia de sí mismo que, finalmente, lo convierten en un igual de Zod: el fin —la salvación del planeta para Kal-El y la conquista de ésta para Zod— justifica los medios —la destrucción salvaje y sin sentido de toda una ciudad—. Por ello, ese momento final, al que se buscaba cargar de emoción y que se convirtiera en un punto de quiebre moral para Superman, resulta ridículo tanto en fondo como en forma, con el grito cliché de desesperación ante lo hecho (el cual, por cierto, debió haber dejado sordos a los civiles alrededor).</div>
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Y cinematográficamente queda poco que decir: Man of Steel no sobresale en la cuestión técnica no sólo de otros trabajos de Snyder, sino de la corriente de los blockbusters en general. Su montaje es bastante torpe, no sabiendo mantener un ritmo atractivo o <i>in crescendo</i>, y pasando de muy caliente a muy frío con una brusquedad que no beneficia en nada a la película. Los personajes, así como lo fotografía y el trabajo de cámaras, son grises y opacos: rara vez se esfuerzan en sacar a relucir lo mejor de cada uno y, en lo que respecta a personajes, se benefician en la medida en qué tan poco tiempo aparecen pantalla, de ahí que Kevin Costner sea quien mejor sale parado: sus apariciones fugaces y esenciales lo dejan mejor parado que a Russell Crowe, con un Jor-El que pierde potencia con cada minuto que pasa, terminando en un personaje plano y con momentos ridículos. Michael Shannon —quien ya había aparecido en otra película de un personaje de DC Comics, Jonah Hex— es otro que da lo mejor en pantalla, con un Zod desperdiciado que se proclama como un genio militar que representa lo mejor de su raza y que termina siendo una caricatura de dictadorzuelo cualquiera. Por último, Henry Cavill y Amy Adams: uno, sin saber aprovechar los momentos de brillo del personaje y ayudando a crear este personaje solemne y en ocasiones arrogante, que se siente y sabe guardián del mundo y que no genera empatía; la otra, correcta en su actuar, aunque, como a casi todos, el personaje termina ahorcándola.
Sin el clásico trabajo sobresaliente de Hans Zimmer —no recuerdo una pieza memorable de él en toda la película, y a final de cuentas se ve opacado por tanto balazo, explosión y supermadrazo—, <i>Man of Steel</i> queda como algo que, efectivamente, pudo ser y no fue. Zack Snyder podrá estar orgulloso de su trabajo, al menos, pues hizo bien lo suyo, pero el guión de David S. Goyer, con historia de él y del mismo Christopher Nolan, nunca encuentra un equilibrio entre lo respectivo a Superman y lo respectivo a Clark Kent, desechando elementos de ambos y mezclando lo que queda para crear una figura que, más que un superhéroe (en el sentido clásico de la palabra), es un personaje bíblico en batalla contra las fuerzas del mal.</div>
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PD: Kevin Smith puede estar feliz por el par de guiños a su famoso acercamiento con el Superman cinematográfico: los osos polares y las arañas mecánicas.
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<img alt="Man of Steel" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/ManofSteelposter.jpg" /><br />
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<div style="background-color: white; color: #333333; font-family: Georgia, serif; font-size: 13px; line-height: 20px;">
<b><i>Man of Steel</i></b></div>
<div style="background-color: white; color: #333333; font-family: Georgia, serif; font-size: 13px; line-height: 20px;">
<i>Estados Unidos, Reino Unido, Canadá; 2013</i><br />
Director: <i>Zack Snyder</i><br />
Protagonistas: <i>Henry Cavill, Amy Adams, Michael Shannon, Russell Crowe, Kevin Costner, Diane Lane</i></div>
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William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-87963153085740098002013-05-30T12:39:00.000-07:002013-05-30T12:40:28.374-07:00Cómics de la semana en México (29/05/2013)<div style="text-align: center;">
<img alt="Age of Ultron" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/AgeofUltron01-000.jpg" /><img alt="Age of Ultron" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/AoUSkottieYoung.jpg" />
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<b>Age of Ultron</b> #1<br />
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Inicia en México uno de los dos eventos editoriales de Marvel este año: Age of Ultron, el último gran evento editorial orquestado por Brian Michael Bendis.</div>
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Dibujado por Bryan Hitch, Age of Ultron inicia en un mundo postapocalíptico en el que Ultron, uno de los enemigos más emblemáticos de los Avengers e, irónicamente, creación de uno de estos, Hank Pym, ha tomado el control de Nueva York, acabando con gran parte de la población y llevándose a algunos superhéroes consigo. Si bien el primer número se enfoca en una misión de cuasisuicida de Hawkeye para rescatar a Spider-Man de algunos supervillanos, el esquema sirve para dejar en clara la situación en casi todos los sentidos (a nivel social, superheróica e incluso geográfica). Lo único que no queda claro, eso sí, es quizá lo más elemental: ¿qué es esto?</div>
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Hablando de Bryan Hitch, inicia de manera aceptable el evento, con buen trazo y recordando a sus mejores trabajos en series como The Ultimates. Habrá que ver si mantiene el nivel, aunque parece ser que no durará mucho tiempo en la serie.</div>
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Finalmente, una curiosidad: Marvel México ha publicado dos portadas distintas para el número uno. La primera es la clásica, dibujada por el propio Hitch, y la segunda es de Skottie Young, famoso por hacer portadas alternativas con parodias de bebés. Interesante y novedosa movida para Marvel México. (8/10)</div>
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<img alt="Aquaman" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Aquaman-Zone-000.jpg" /></div>
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<b>Aquaman</b> #11<br />
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Continúa por quinto mes la saga de Los otros, en la que conocemos más del pasado de Aquaman y de la Atlántida. Aunque la serie ha sabido mantener un nivel constante a lo largo de casi un año, esto no le ha beneficiado: a estas alturas se ve un Geoff Johns tímido y perdido, con una fuerza que, a nivel de historia, no acaba de explotar y con una falta de equilibrio entre el relatar la historia y buscar atraer al público, decantándose más por lo primero y manteniendo la tibieza del primer número. Ivan Reis, por su lado, sigue defendiendo su título como uno de los mejores dibujantes de cómic contemporáneo, con escenas majestuosas (como la de la primera página) que no sobrepasan por mucho a su historia. (7/10)</div>
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<img alt="Avengers" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Avengers-Zone-000.jpg" /></div>
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<b>The Avengers</b> #1<br />
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Finalizada la era Bendis, Marvel México trae el primer número de Avengers bajo el sello Marvel Now! Con Jonathan Hickman en el guión —famoso por su etapa frente a los Fantastic Four y la Future Foundation, títulos sin publicación en México— y Jerome Opeña a los lápices —cuyo trabajo puede apreciarse en el omnibus de Uncanny X-Force publicado hace unos meses—, la idea tras esta nueva alineación de Vengadores es "ser más grandes", por lo que alineación ha crecido hasta los 24 integrantes, siendo su desvele una de las premisas de la serie.</div>
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Presentando a nuevos antagonistas y con un enfoque más universal, Hickman se dedica en este primer números (que son los dos primeros de la edición norteamericana) a sentar las bases del crecimiento del grupo, sumiendo a la alineación base en un problema que requerirá de la participación de otros personajes de clase A, B y hasta C de Marvel.</div>
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Opeña, por otro lado, deslumbra por su técnica, recordando por qué fue una de las razones principales del éxito de la serie del grupo de asesinos de X-Men. Su sobriedad y estética, junto con el coloreado de Dean White, distan de lo acostumbrado gráficamente con anteriores series vengadoras. (8/10)</div>
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<img alt="Cap America" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/CaptAmerica1.jpg" /></div>
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<b>Captain America</b> #1<br />
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Aprovechando la oportunidad de Marvel Now! para llevar al personaje a terrenos distintos a los manejados en las etapa de Ed Brubaker, Rick Remender y John Romita Jr. echan mano de la faceta sci-fi del personaje y lo colocan en una aventura más clásica y superheróica. Si bien Romita Jr. no es un dibujante que particularmente disfrute, encaja perfectamente en la intención de insuflarle a la serie una onda más pulp y con sabor añejo. Cumple en ambos apartados, dejando ver potencial de mejoría. (8/10)</div>
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<img alt="The Flash" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/TheFlash11.jpg" /></div>
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<b>The Flash</b> #11<br />
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Entrando Marcus To como nuevo artista, la historia del velocista escarlata continúa en la senda de Barry Allen, quien ahora se ha cambiado de ciudad dados los problemas que le ha ocasionado su perfil civil. Siendo el apartado gráfico el mayor atractivo, To se defiende y entrega un trabajo pulcro y elegante, defendiendo una historia que, si bien no peca de mala, de momento sigue sin un rumbo aparente. (7/10)</div>
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<img alt="Green Lantern" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/GreenLantern11.jpg" /></div>
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<b>Green Lantern</b> #11<br />
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Siendo de las pocas historias inalteradas tras The New 52, Hal Jordan y Sinestro continúan lidiando con las distintas corporaciones del espectro y con algunas consecuencias de Blackest Night. Sin bajar de su acostumbrado nivel, Doug Mahnke sigue con la elegancia y sobriedad que ha venido manejando desde inicios de la serie, embonando perfecto en una historia sobria que, si bien ha avanzado lentamente, ha sabido construir sobre lo ya construido, dejando ver a un Johns enfocado y con una meta precisa a a la hora de escribir. (8/10)</div>
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<img alt="Hulk" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/IndestructibleHulk1.jpg" /></div>
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<b>Indestructible Hulk</b> #1<br />
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He aquí uno de los personajes más beneficiados de Marvel Now!: Tras un número de series que no han sabido sacarle brillo al gigante esmeralda, le editorial decide poner al multipremiado Mark Waid y a uno de sus dibujantes estrella, Leinil Francis Yu, a trabajar en la nueva serie de Bruce Banner y compañía. ¿El resultado? De momento, bastante satisfactorio: si bien la propuesta de un Hulk al servicio de S.H.I.E.L.D. no es original, Waid logra dotar de humor y personalidad a dos de los personajes más grises del universo Marvel (Maria Hill y Bruce Banner), enfrascándolos en una dinámica que atrae por su ligereza y por la interacción mutua —Banner en un intento penoso de parecer "cool", Maria azorada por cada pequeña posibilidad de aparición de Hulk...—. Yu, por su parte, deslumbra por la técnica, mostrándose sumamente pulido y con gran manejo de la acción. Altamente recomendable. (9/10)</div>
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<div style="text-align: center;">
<img alt="Iron Man" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/IronMan2.jpg" /></div>
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<b>Iron Man</b> #2<br />
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Segundo número de la serie del vengador dorado en Marvel Now! México. Después de una gran etapa del personaje a cargo de Matt Fraction, Kieron Gillen, una de los mejores escritores en Marvel en este momento, retoma Tony Stark y lo pone en una misión de búsqueda que le requerirá un amplio guardarropa tecnológico. Si la historia hasta el momento no ha sobresalido, del dibujo se puede decir menos: Greg Land, uno de los dibujantes más criticados en la actualidad, se pone al servicio de Marvel una vez más, dando una serie que, si bien se deja leer, es víctima de muchos de los vicios del dibujante. (7/10)</div>
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<img alt="New Avengers" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/NewAvengers1.jpg" /></div>
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<b>The New Avengers</b> #1<br />
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Repitiendo la dinámica establecida, el mismo escritor de The Avengers, Jonathan Hickman, toma el control de la serie de Los Nuevos Vengadores, aunque con un cambio radical: si en la etapa Bendis esta tenía un enfoque urbano, con Hickman seremos partícipes de las aventuras de Los Illuminati, el grupo formado por las figuras más eminentes de Marvel (Mr. Fantastic, Iron Man, Black Bolt, Namor, Dr. Strange, Black Panther y Capt. America) y cuya función es ser una fuerza de defensa del planeta ante situaciones que sobrepasen a cualquier otro grupo, como la que aquí acontece: durante un ritual de maduración, unos jóvenes wakandianos descubren "una crisis de tierras infinitas", por lo que, ante el colapso del universo, T'Challa deberá buscar la ayuda de un grupo del que alguna vez renegó, invocando con ello al mismísimo diablo.</div>
<div style="text-align: justify;">
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Steve Epting, habitual de Hickman en su etapa de Future Foundation, cumple con el dibujo, aunque sigue con un manejo de personajes estático y con poca fluidez entre viñetas. (7/10)</div>
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<div style="text-align: center;">
<img alt="Spider-Man" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Spider-Man1.jpg" /></div>
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<b>Superior Spider-Man</b> #1<br />
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<div style="text-align: justify;">
Se le puede amar o se le puede odiar, pero a nadie está dejando indiferente Dan Slott, el actual guionista de <i>Spider-Man</i>. Después de un movimiento editorial un tanto polémico (aunque algo intrascendente en la era de las situaciones efímeras en los cómics), Slott, junto al dibujante Ryan Stegman y el colorista Édgar Delgado, inician nos traen al Hombre Araña superior: después de dar el golpe maestro y vencerlo definitivamente, Otto Octavius ha cambiado de mentes con Peter Parker y se ha deshecho de él, en un evento en el que aparentemente el Dr. Octopus ha muerto y Spider-Man ha triunfado. Ahora, con el cuerpo y los recuerdos de Spidey, Octavius se ha proclamado a sí mismo como una versión superior del antiguo arácnido, trasformándose en un vigilante más intrépido y sádico, así como en una persona más fría y desinteresada por lo demás.</div>
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<div style="text-align: justify;">
Si bien el planteamiento es interesante, más interesante aún será ver qué tanto dura la charada, pues muchos lectores sienten que es inevitable el regreso del viejo Peter Parker. Sea cual sea el resultado, Slott y compañía merecen unos cuantos elogios: si la historia ha funcionado no es sólo por los hechos, sino por cómo estos han sido presentados. (8/10)</div>
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<div style="text-align: center;">
<img alt="Wonder Woman" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/WonderWoman11.jpg" /></div>
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<b>Wonder Woman</b> #11<br />
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<div style="text-align: justify;">
Como si un enfrentamiento a Poseidón, Hera y Hades no fuese suficiente, la amazona sigue descubriendo en este número más de su recientemente descubierta familia: acompañada de Hermes y Lennox y Diana, Zola decide recibir atención médica, siendo importunada por nuevos parientes políticos: Apolo y Artemisa, parientes también de Wonder Woman. A partir de aquí, el número se vuelca a la acción, mostrando las virtudes de Cliff Chiang como orquestador de batallas, continuando con su peculiar estilo que ha sido una de las marcas de la casa. (8/10)</div>
William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-78365530821172466742013-05-10T08:38:00.000-07:002013-05-10T08:39:42.196-07:00Joan Holloway<blockquote class="tr_bq">
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Uno de los puntos más altos de la quinta temporada fue cómo la serie subvirtió la fascinación del espectador promedio por Christina Hendricks como símbolo sexual que vende bebidas alcohólicas (Johnnie Walker), tarjetas de crédito (Visa) y helados (Baskin Robbins), muchas veces durante el mismo tiempo comercial en el que transmite el programa. Al prostituir a Joan en “The Other Woman” (T05E11), Weiner establecía un diálogo incómodo con el espectador al dinamitar su entendimiento del personaje, así como la percepción que tiene de la actriz que lo encarna. La intertextualidad era agresiva: ¿qué tan diferentes somos del ejecutivo repulsivo de Jaguar que negocia una noche con ella? Ese juego entre presente-realidad /pasado- ficción era fascinante. En “For Inmediate Release”, Mad Men utiliza de nueva cuenta a Joan para apuntar que estamos viendo una obra sobre los vicios del presente, y no un ejercicio nostálgico. Cuando Joan le señala a Don su egoísmo por renunciar a Jaguar, su voz no sólo es la de una mujer cuyo sacrificio no fue apreciado por el machismo de sus colegas, sino la del súper ego de la misma narrativa. Hasta ese momento, la serie misma parecía aplaudir el hecho que por fin Draper asumiera su independencia cool y se deshiciera de Jaguar. Nadie quiere ver sometido al súper creativo. </div>
</blockquote>
<blockquote class="tr_bq">
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Joan devela una lógica perversa donde sólo importa el “yo” y no el “nosotros”. Más aún, confronta al espectador por emocionarse con el lance iracundo de Draper (sólo le importa la actitud cool de Don, pero no lo que le sucede a los demás personajes). La pertinencia del comentario es intachable: esa obsesión con el “yo” es una ventana directa al 2013, a lo que somos ahora, y no al espíritu colectivo de 1968. Nota al margen: la explosión descarnada de Joan ha sido hasta ahora el mejor momento actoral en la carrera de Hendricks.</div>
</blockquote>
<div style="text-align: center;">
<img src="http://www.letraslibres.com/sites/default/files/u13/madmen06joan.jpg" /></div>
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(<i>Marca personal a Mad Men: For Immediate Release</i>, de <a href="https://twitter.com/mauroforever">Mauricio González Lara</a>, en <a href="http://www.letraslibres.com/blogs/en-pantalla/marca-personal-mad-men-immediate-release">Letras Libres</a>. Pueden leer el texto completo en el sitio.)</div>
William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-57499774899388591512013-03-13T23:40:00.000-07:002013-03-13T23:41:26.448-07:00Cómics de la semana en México (11/03/2013)<br />
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<img alt=" photo Avengers32_zps18599d52.jpg" border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/Avengers32_zps18599d52.jpg" style="text-align: center;" /></div>
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<b><i>The Avengers </i></b>#25<br />
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Con este número se inicia la última etapa de Brian Michael Bendis al frente de los Vengadores. Llamada <i>Fin de los Tiempos</i>, ésta cumple el mismo propósito que su etapa actual homónima en <i>The New Avengers</i>: cerrar ciclos y cabos sueltos. Tras lo acontecido en <i>Avengers vs X-Men</i>, el equipo se toma un merecido descanso que se interrumpe por una misteriosa señal de ayuda que, al parecer, proviene de un integrante desconocido de los Vengadores y, además, proviene ni más ni menos que del microverso, por lo que Tony Stark solicitará el apoyo de Hank Pym para viajar al espacio interior y salvar al enigmático personaje, todo adornado con una espontánea y gratuita aparición de Wonder Man en la torre de los Vengadores. Con Brandon Peterson y Mike Mayhew a los lapices, la serie hace justa y únicamente lo que pretende —igual que <i>The New Avengers</i>—: dejar todo preparado para el fin de la era Bendis y el inicio de la nueva etapa en <i>Marvel Now!</i> (7/10)</div>
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<img alt=" photo Daredevil5_zps6b76df66.jpg" border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/Daredevil5_zps6b76df66.jpg" style="text-align: start;" /></div>
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<b><i>Daredevil </i></b>#3<br />
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Si ya el cambio de perspectiva del defensor de Hell's Kitchen hace que valga la pena su visionado, el arte de Marcos Martin lo vuelve una de las series imprescindibles de la temporada, desplegando gran ingenio gráfico (¿o auditivo?) gracias a las habilidades de Matt Murdock y creando juegos de imágenes que, aunado al trazo limpio y heredero del mejor John Romita Sr., nos otorgan momentos de los que es difícil no enamorarse. El guión de Mark Waid de momento no sobresale particularmente, aunque es de agradecerse que continúe construyendo un Daredevil en concordancia con su artista visual: brillante, colorido y con sentido del humor. (10/10) <br />
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<img alt=" photo Thor15_zpsad188ff9.jpg" border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/Thor15_zpsad188ff9.jpg" /></div>
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<b><i>The Mighty Thor</i></b> #15</div>
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Segunda parte de<i> Everything Burns</i>, el cruce con la serie<i> Journey Into Mystery</i> que pondrá fin a la etapa de Matt Fraction y Kieron Gillen en sus respectiva series. Tras la (ya clásica) transformación de los asgardianos en una chusma enfurecida para linchar al pequeño Loki por su aparente maquilación con Freyja para traicionar a Asgardia, echar abajo el Árbol del Mundo y reavivar un antediluviano conflicto entre los Aesir y los Vanir, Thor tendrá que defender a su hermano pequeño, pero... ¿en realidad el diosecillo es tan inocente como dice ser? Con los ya mencionados autores trabajando junto con Alan Davis (Thor) y Carmine di Giandomenico (Journey Into Mystery) en los lápices, la historia se antoja demasiado compleja e incluso confusa dado el nulo seguimiento de la serie de Kieron Gillen en México, perdiéndose por ello mucho del contexto de la situación actual de Loki y sus compañeros habituales de "travesuras", aunque no por eso resulta imposible del montaje teatral que han preparado para la ocasión. (8/10)</div>
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<img alt=" photo MinimumCarnage4_zpsbd672a64.jpg" border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/MinimumCarnage4_zpsbd672a64.jpg" style="text-align: start;" /></div>
</div>
<br />
<b><i>Minimum Carnage</i></b> #4<br />
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<div style="text-align: justify;">
Sin un cambio remarcable respecto a sus números anteriores, el minievento continúa estancado en su premisa inicial: Carnage viaja al microverso, seguido por Venom y Scarlet Spider, quienes tomarán caminos distintos en su intento por detener al simbiote asesino. Insustancial y con un apartado artístico de parte de Reilly Brown y Koi Pham que cumple, la historia de Chris Yost sigue intentando generar intrigas a través de personajes misteriosos, para terminar fracasando con una historia poco trabajada y con un cliffhanger final que, explícitamente, se había mencionado desde hace dos números. Prescindible totalmente. (5/10)</div>
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<img alt=" photo NewAvengers32_zpscdc094aa.jpg" border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/NewAvengers32_zpscdc094aa.jpg" /></div>
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<b><i>The New Avengers</i></b> #13<br />
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<div style="text-align: justify;">
Finalizando los cabos sueltos desde el primer arco de la actual etapa de <i>The</i> <i>New Avengers</i>, Bendis trae de vuelta a Daniel Drumm, hermano del anterior Hechicero Supremo, Brother Vodoo, quien tomará venganza por la desaparición de su hermano, de la cual culpa a los Vengadores. Con Carlos Pacheco a los lapices, el número funciona bien en lo respectivo al mencionado cierre del ciclo iniciado hace meses por Bendis, careciendo de brillo fuera de ello y repitiendo tópicos usuales del autor —¿cuántas invasiones al jardín de la Mansión Avenger van ya?—. (7/10)<br />
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<b><i><img alt=" photo SecretAvengers29_zps620749aa.jpg" border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/SecretAvengers29_zps620749aa.jpg" /></i></b></div>
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<b><i><br /></i></b></div>
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<b><i>Secret Avengers</i></b> #13</div>
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Rick Remender prosigue en la consolidación de su visión de los Secret Avengers, manteniéndolos en el terreno de las operaciones encubiertas pero prefiriendo más la acción y el combate que el sigilo que Brubaker manejó en su etapa, optando además por una temática de ciencia ficción. Después de la desaparición de John Steele, agente encubierto trabajando para los Vengadores Secretos, el equipo liderado por Hawkeye a Bagalia, una nación anárquica que sirve como criadero de los nuevos Amos del Mal. Con el agente Venom como nueva adición, la infiltración resultará más caótica de lo esperado con la presencia de Max Fury y la incursión de Taskmaster. Matteo Scalera, dibujante de la ocasión, resulta efectivo en escenas de acción, con una estética que recuerda vagamente a la de Francis Manapul en <i>Flash</i>, logrando, en lo gráfico, un excelente equilibrio entre acción y humor. (8/10)</div>
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<img alt=" photo Wolverine309_zpsb47caa0b.jpg" border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/Wolverine309_zpsb47caa0b.jpg" /></div>
<b><i><br /></i></b>
<b><i>Wolverine</i></b> #18<br />
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Escrito por Iván Brandon y dibujado por Rafael Albuquerque y Jason Latour, el número resulta un mero relleno de la serie, sin motivo particular: convocado por una misteriosa dama para acabar con "una cosa terrible", Wolverine, acompañado de Elíxir, otrora integrante de X-Force, viajarán para encontrar la mencionada cosa terrible, resultando que un viejo conocido de Logan está detrás de todo el asunto. Pese a momentáneos destellos de calidad en lo visual, resulta un número sin nada que ofrecer, para bien o para mal. (6/10)</div>
William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-51462542701014542382013-03-04T08:58:00.000-08:002013-03-04T10:56:10.596-08:00Cómics de la semana en México (04/03/2013)<span style="font-size: x-small;">Disculparán la ausencia de un mes. Como siempre, y a veces desafortunadamente, la vida diaria no permite dedicarle tanto tiempo a ésto como uno quisiera.</span><br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
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<img alt="Batman" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Batman9.jpg" /><img alt="The Dark Knight" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/TDK9.jpg" /></div>
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<i><b>Batman/Batman: The Dark Knight</b></i> #9</div>
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Y llegamos al ecuador de <i>Night of the Owls</i>. Tras la invasión de las garras de La Corte de los Búhos a la Mansión Wayne y a la Baticueva, Batman y Alfred ingenian un plan que contendrá a los intrusos, aunque poniendo la vida del heredero de los Wayne en riesgo (y mostrando, de paso, una que otra sorpresa de la Baticueva...), enfrentando éste, al final, una situación que lo hará tomar un plan de acción definitivo sobre La Corte. Se anexa una historia de Scott Snyder, el habitual guionista de Batman, y James Tynion IV, la cual nos mostrará lo que aparenta ser un enfrentamiento previo entre Jarvis (!!!) Pennyworth, el padre de Alfred, y una manifestación de La Corte. El dibujante Greg Capullo sigue <i>in crescendo</i>, puliendo cada vez más su técnica y sus dotes narrativos a la hora de la acción, mientras que Rafael Albuquerque, el artista encargado de American Vampire <span style="background-color: white; color: #333333; font-family: Georgia, serif; font-size: 13px; line-height: 20.796875px; text-align: justify;">—</span>serie también escrita por Snyder<span style="background-color: white; color: #333333; font-family: Georgia, serif; font-size: 13px; line-height: 20.796875px; text-align: justify;">—</span> cumple con la atmósfera necesaria para el flashback de la familia Wayne y su opresiva atmósfera. (8/10)</div>
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Mientras, y sirviendo en esta ocasión como tie-in del evento en curso, <i>The Dark Knight</i> ahondará en los sucesos ocurridos durante un momento específico de la serie base, profundizando en la identidad e historia de una de las garras, los asesino de La Corte de los Búhos. Escrito por Judd Winick y dibujado por David Finch, el número no deja de ser un mero encargo del evento en turno, dependiendo y sometiéndose totalmente a él, aunque, quizá por ello, llega a resultar más atractivo que los números anteriores de la serie.(6/10)</div>
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<div style="text-align: center;">
<img alt="Superman" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Superman9.jpg" /><img alt="Action Comics" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/ActionComics9.jpg" /></div>
<br />
<i><b>Superman/Action Comics</b></i> #9<br />
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<div style="text-align: justify;">
Un número orquestado a seis manos por Keith Giffen (trama y guión), Dan Jurgens (trama y arte) y Jesús Merino (arte final) que sigue la misma precipitación que ha seguido la serie desde su inicio: si el número ya inicia con un monólogo de Superman digno del más penoso de los estereotipos adolescentes en los cómics, el tema en el que se centra el conflicto del número, el aparente descubrimiento de la identidad secreta de Superman, es manejado de modo torpe y ridículo, dando pie a un cúmulo de diálogos y personajes tan estúpidamente planteados —siendo Perry White quien se lleva las palmas— que sólo demuestran la falta de visión de la editorial en general para hacer algo medianamente digno con <i>Superman</i> como serie regular. (5/10)<br />
<br />
Habría que eximir, claro, a Grant Morrison de la mencionada falta de visión. Ya en <i>Action Comics</i>, el escocés sigue con su historia de los orígenes del hombre, aunque, irónicamente, separándose totalmente en esta ocasión del Clark que conocemos y jugando con la gastada idea de realidades alternas: Proveniente del planeta Krypton, específicamente de su capital, Jandra-La, conoceremos a Kalel, un joven de rasgos africanos —supongo que decir "afroamericano" es incorrecto...—, quien, además de ser presidente de los Estados Unidos, es un superhéroe de fuerza y habilidades descomunales conocido como Superman. Si bien el guiño al actual presidente de los Estados Unidos es inocultable, Morrison se ocupa primordialmente del concepto esencial de Superman bajo distintas ópticas, trayendo a escena no sólo a éste —quien es mencionado como el Superman de 'Tierra 23'—, sino a otra versión alterna cuya propuesta es interesante. Dibujado por un Gene Ha que cumple, y acompañado además por un pequeño relato al final (al igual que en <i>Batman</i>) autoría de Sholly Fisch y Cully Hamner, que plantea uno de los dilemas más famosos de Superman (su faceta fascista y autoritaria), el número resulta la razón fundamental de hacerse con la edición mexicana, ya que, si bien por sí solo resulta una historia fuerte y atractiva, en contraposición a Superman resulta una obra maestra (8/10)<i>.</i><br />
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<div style="text-align: center;">
<a href="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Venom26.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="Venom" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Venom26.jpg" /></a></div>
<i><br /></i>
<i><b>Minimum Carnage</b> #3</i><br />
<i><br /></i>
Evento semanal que Televisa lanzó junto con el Monster Edition <i>Carnage</i>, que anexa la miniserie homónima y su continuación, <i>Carnage U.S.A</i>. <i>Minimum Carnage</i>, protagonizada por Venom, Scarlet Spider (cuyas series no se publican en México) y Carnage, versa sobre un viaje al microverso por parte de los tres mencionados, buscando los dos primeros detener al tercero, quien se ha aliado con agentes del lugar para... hacer algo que no queda muy claro. La serie no sobresale particularmente en ningún apartado y, de momento, no ha pasado de ser prescindible dentro del panorama actual mexicano. (6/10)<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<img alt="The Traveler" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Traveler2.jpg" style="text-align: start;" /></div>
<i><br /></i>
<b><i>The Traveler</i> </b>#2<br />
<br />
Después de dos meses, continúa la historia de Stan Lee y Mark Waid sobre Kronus y la agente Julia del FBI. Investigando esta última los ataques recientes a blancos sin aparente relación alguna, Julia irá al laboratorio de su padre y su novio, pues, gracias a ciertas declaraciones de Kronus, puede que la investigación de estos dos y un tercero esté relacionada con el misterioso encapuchado violeta. Pese a ser su segundo número, la historia se resulta confusa y necesariamente incompleja, llegando en momentos a perder cohesión con el primero. Sigue sin ser un must del mercado, aunque no deja de poseer un potencial latente. (6/10)<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<img alt="Ultimate Spider-Man" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/UltimateSpider-Man15.jpg" style="text-align: start;" /></div>
<i><br /></i>
<i><b>Ultimate Spider-Man</b></i> 15<br />
<br />
Tras <i>Divididos Caeremos</i>, llega su continuación: <i>Unidos en Pie</i>. Después del encuentro con May Parker, Gwen Stacy y el Capt. America, Miles comprende más a profundidad su responsabilidad como Spider-Man, decidiendo entonces unerse a los Ultimates para poner algo de sí en la solución del conflicto nacional, esto mientras una investigadora llamada María Hill busca información con la familia Morales sobre el hermano del padre de Miles. Pese a sufrir la carga que conlleva el arrastre a un evento editorial, la serie permanece impecable, con un David Marquez pulcro y contundente y con el guión de Brian Michael Bendis, que pese a no relatar mucho, sigue construyendo personajes entrañables en su espontaneidad y humor. (8/10)<br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<img alt="X-Men" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/UncannyXMen18.jpg" style="text-align: start;" /></div>
<br />
<i><b>Uncanny X-Men</b> </i>#13<br />
<br />
Último tie-in de Avengers vs X-Men, con el tratamiento de dos historias distintas. En la primera parte, acudimos al final del enfrentamiento entre los Phoenix Five y Mr. Sinister, resultando en una oportunidad para Psylocke, Danger, Magneto y Storm de demostrar su valor estratégico pese a no contar con la entidad cósmica. Pese a contar con una resolución al conflicto que encuentro poco congruente con los dotes otorgados previamente a Sinister, la historia no deja de sobresalir dada su naturaleza de tie-in, dando un final cuando menos entretenido. En la segunda parte, ocurre un evento que, cuando menos como lector habitual de la serie, resulta disfrutable: el desencuentro entre Piotr e Illyana Rasputin, manejado con una narrativa y y una coherencia con los últimos meses (además de una escena con Magik que, por su sinceridad y humor negro, resulta bastante cómica) que es de aplaudirse. Daniel Acuña y Mike del Mundo —entre otros que creo no están acreditados en la edición mexicana...— resultan maravillosos, el primero manteniendo las cuotas previas y el segundo con un retrato de personajes sobresaliente, todo con el guión de Kieron Gillen que sigue demostrando ser uno de los mejores autores del Marvel actual. (8/10)</div>
</div>
William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-18205344349592574872013-02-07T07:52:00.000-08:002013-02-07T07:52:19.215-08:00Cómics de la semana en México (04/02/2013)<div style="text-align: center;">
<img alt="Batman" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Batman8.jpg" /><img alt="The Dark Knight" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/TheDarkKnight8.jpg" /></div>
<i><b><br /></b></i>
<i><b>Batman/Batman: The Dark Knight</b></i> #8<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Sorprende que se respetara el nombre en inglés del evento que se ha estado fraguando en los primeros siete números de la serie <i>Batman</i>, 'Night of the Owls', siendo que algunos nombres, como el de Talon, fueron traducidos al español. Tras su odisea dantesca en la guarida de La Corte de los Búhos ubicada en las entrañas de Gotham, Bruce Wayne ha caído abatido al darse cuenta de que la ciudad que tanto tiempo ha protegido es en realidad una desconocida, situación que La Corte aprovecha para desplegar a sus 'garras' y atacar tanto la mansión Wayne como a las figuras prominentes de Gotham. Sobresale el anuncio editorial del próximo DC Comics Definitive Edition: 'Night of the Owls', a publicarse en marzo y que contendrá la historia de la batifamilia (Red Robin, Red Hood, Robin, Nightwing, Batgirl y las Birds of Prey) contra la horda de asesinos. (8/10)</div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
En <i>The Dark Knight</i>, Batman encara una serie de hechos violentos excepcionalmente sangrientos, los cuales lo encontrarán con Tweedle Dum, Tweedle Dee y el Mad Hatter. Pese al cambio de equipo artístico, con Joe Harris en el guión y Ed Benes en los lápices, y un enfoque más urbano y con un (pretendido) enfoque psicológico más profundo, la serie continúa sin ofrecer algo más que una historia genérica, resultando especialmente insípido (y por momentos ridículo) el retrato de James Gordon en la trama, especialmente al final del relato. (6/10)</div>
<br />
<div style="text-align: center;">
<img alt="Superman" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Superman8.jpg" /><img alt="Action Comics" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/ActionComics8.png" /></div>
<br />
<b><i>Superman/Action Comics </i></b>#8<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Si el mes pasado hablaba de un poco de aire fresco a la serie tras el paso de George Pérez, el número de esta ocasión ha venido a dejar de lado la frescura para caer en lo mismo que el anterior guionista, llegando a hacer patente en sus propios diálogos lo repetitivo del asunto ("¿En qué momento me convertí en un imán de extraterrestres?") y maximizando los defectos de protagonista y antagonista: un Superman soso y con un discurso moralino y ridículo y un Helspont que se deshace en diálogo anodino, intentando convencer al hombre de acero de pasarse de su lado. Los respectivo a Clark no sobresale, aunque sirve para relajar la historia tras un sinsentido de varias páginas. (6/10)</div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Y en Action Comics, la conversión de Clark en Superman finaliza, mostrando el final de la trama de 'El Coleccionista de Mundos' y mostrando lo que parece ser la nueva Fortaleza de la Soledad. El cierre es sólido, dejando algunos detalles sueltos para las próximas historias, como la identidad del misterioso hombrecito omnipresente y su interés por el kryptoniano. (8/10)</div>
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<br />
<div style="text-align: center;">
<img alt="Uncanny X-Men" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Ultimate-Spider-Man-14.jpg" /></div>
<br />
<b><i>Ultimate Spider-Man</i></b> #14<br />
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<div style="text-align: justify;">
Segundo número en <i>Divididos Caeremos</i>. Iniciando con <a href="http://25.media.tumblr.com/tumblr_m9vtz4Jk8b1rymqddo1_500.jpg">un insulto de Gwen Stacy que recuerda a cierto famoso arranque de furia en Marvel</a>, la historia pone a Miles Morales ante dos situaciones diametralmente opuestas: por un lado, la bendición de May Parker, Gwen Stacy y Mary Jane como el nuevo Spider-Man, dándole la primera un obsequio para alguien digno de continuar con el legado de Peter Parker; y, por otro lado, la desaprobación y advertencia del Capitán América, dejando ver su culpa por la muerte de Parker y la responsabilidad hacia Miles dada su corta edad, amenazando con denunciarlo con sus padres en caso de no dejar el traje arácnido por las buenas. Bendis cumple con el tie-in, mostrando talento y sensibilidad a la hora de traer el tema de Peter Parker a la luz, así como personajes realistas y congruentes. Quien se luce es David Marquez, mostrando una técnica muy trabajada y relato dinámico a la hora de la acción. (8/10)</div>
<br />
<div>
<br /></div>
<div style="text-align: center;">
<img alt="Uncanny X-Men" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/UncannyX-Men15.jpg" /></div>
<br />
<b><i>Uncanny X-Men</i></b> #12<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Continúa la atrasadísima historia de los Phoenix Five de <i>Avengers vs X-Men</i>, aunque dejando un mejor sabor del que cabría esperar en un producto derivado de evento editorial (o incluso el propio evento editorial). Trabajando sobre el regreso de Sinister, al que ha dedicado gran parte de su etapa con los mutantes, Kieron Gillen pone a prueba la omnipotencia de los fénix contra el intelecto de Sinister, dando importancia especial a Colossus y su relación con Cyttorak, además de darle un papel a los rezagados integrantes del Equipo Extinción que no fueron beneficiados con la fuerza cósmica. Daniel Acuña cumple con eficacia, siendo un particular favorito de quien escribe. (8/10).</div>
William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-11408730703645470832013-01-31T23:54:00.000-08:002013-01-31T23:54:23.350-08:00Cómics de la semana en México (28/01/2013)<span style="font-size: x-small;">(A los poquísimos lectores, disculparán el atraso y el atasque de información de este post. La idea es hacer uno cada semana, pero actividades personales de vital importancia me lo han impedido.)</span><br />
<br />
<div style="text-align: center;">
<img alt="Aquaman" border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/Aquaman7_zpsa0f2e189.jpg" /></div>
<b><i><br /></i></b>
<b><i>Aquaman</i></b> #7<br />
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<div style="text-align: justify;">
Geoff Johns sigue en su construcción del "nuevo" Aquaman, intentando impregnarlo de la fuerza de personajes como Batman o Superman. Mientras Arthur y Mera ("Aquawoman") siguen buscando la respuesta al misterio de la reliquia atlante, un viejo enemigo de Aquaman empezará la caza de un grupo de personajes que, aparentemente, tienen una relación muy íntima con el superhéroe. Si bien Ivan Reis sigue luciéndose con su arte —qué buen tino tiene Johns para acompañarse de artistas con talento—, la serie pierde poco a poco el brío que se mostrara en los primeros números, desarrollándose en historias con poca sustancia que siempre dejan la impresión de que algo grande viene, pero nunca ocurre. Aunque sigue manteniendo el potencial, es incuestionable que se encuentra en descenso. (8/10)</div>
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<img alt="Spider-Man" border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/Spider-Man694_zps81768c8c.jpg" /></div>
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<b><i>The Amazing Spider-Man</i></b> #74<br />
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Dando algunos saltos en la continuidad original, Marvel México decide darle relevancia al actual arco de Spider-Man y su nuevo sidekick, Alpha, trayéndolo al país a poco más de un mes de su publicación en Estados Unidos. Lamentablemente la historia no merece tal honor: después de convertir por accidente a un chico en un superhéroe a causa de un accidente de laboratorio (...), Peter Parker tendrá que lidiar con una nueva responsabilidad cargada de mucho poder (y ego). Pese a la importancia que editorialmente han intentado insuflarle desde Marvel, la historia pasa con más insipidez que gloria y un regusto a moral barata, destacando a un Humberto Ramos que, como opinión personal, demuestra mejoría considerable en el apartado gráfico. (7/10)</div>
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<img alt="Avengers" border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/Avengers29_zpsb1050eb6.jpg" /></div>
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<b><i>Avengers</i></b> #23<br />
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Número del evento Avengers vs X-Men. Si bien resulta tan anacrónico como el número de <i>Uncanny X-Men </i>de este mismo mes, Bendis no logra proponer algo más allá de un simple relleno en el mencionado evento editorial (a diferencia de Gillen). Eso, aunado al dibujo de Walter Simonson (cuyos trazos poseen una estética que, particularmente, nunca he disfrutado), dan pocas razones que justifiquen la existencia del número. (3/10)</div>
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<img alt="Gates of Gotham" border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/BatmanGatesofGotham1_zps4dea9eae.jpg" /></div>
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<b><i>Batman: Gates of Gotham</i></b> #1<br />
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Dentro de su serie 'DC Comics presenta', editorial Televisa lanza el primero de cinco números de esta historia escrita por el actual guionista de Batman, Scott Snyder y dibujada y coguionizada por Kyle Higgins. Retomando el ya usado recurso de un misterio acerca de la fundación de Gotham —el mismo Snyder lo hace en la actual etapa de Batman en México—, la trama retoma el breve periodo de Dick Grayson bajo el manto del caballero de la noche, en una intriga que mezcla a las más poderosas familias de la ciudad (Wayne, Cobblepot y Elliot) y a sus respectivos descendientes y que introduce a un (aparentemente) nuevo antagonista en escena. Sin embargo, el punto fuerte del cómic el dibujo y la narrativa del mencionado Higgins, quien, con una estética <i>cartoon</i> que asemeja vagamente a Pasqual Ferry y David Goetz, logra una lúgubre Ciudad Gótica que se siente dinámica y en movimiento, además de dotar de velocidad y buen ritmo las escenas de acción del encapuchado. (8/10)</div>
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<img alt="Flash" border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/Flash7_zps50c3b250.jpg" /></div>
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<b><i>Flash</i></b> #7<br />
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Un buen ejemplo de dibujante tornado en guionista: Francis Manapul. Un excelente ejemplo de trabajo en equipo: Manapul —historia y arte— y Brian Buccellato —historia y colores—. Sin sobresalir a nivel argumental, las virtudes de la nueva serie del corredor escarlata tiene que ver más con el apartado gráfico y la visión de Manapul y Buccellato a la hora de jugar con las viñetas, creando escenas en las que las cualidades de Flash son visibles no sólo a nivel dibujo, sino a nivel de estructura visual. Sólo por el arte vale una pena darle la oportunidad. (8/10)</div>
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<img alt="Green Lantern" border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/GreenLantern7_zps9d90f6f8.jpeg" /></div>
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<b><i>Green Lantern</i></b> #7<br />
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Aprovechando el nulo efecto que la jugada de los New 52 ha tenido sobre la serie de Green Lantern, Geoff Johns continúa con la exploración de los distintos Corps. del espectro emocional, enfocándose en esta ocasión en la Tribu Índigo, la más enigmática de estas agrupaciones y con la cual Sinestro y Hal Jordan tendrán un encuentro inesperado. Mientras, en Oa, Los Guardianes se encuentran con la recién capturada Lyssa Drak, en un intercambio de palabras que Johns aprovecha para ir mostrando un poco de lo que vendrá en la serie. Doug Mahnke continúa con sus formidables lápices, otorgándole a cada personaje personalidad y rasgos profundos y propios, sobrepasando al guión a la hora de dotarlos de personalidad y vida. (8/10)</div>
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<img alt="Iron Man" border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/IronMan522_zpsec079c5c.jpg" /></div>
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<b><i>The Invincible Iron Man</i></b> #36<br />
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Asombra la polaridad de Matt Fraction: así como ha sido responsable de etapas y series cuando menos penosas (y a falta de leer<i> Hawkeye</i>), su serie sobre el Hombre de Hierro se mantiene como una de las más sólidas e inteligentes del mercado, con un nivel loable y desarrollando un Tony Stark que, aunque juguetea con la idea del protagonista en desgracia que tanto atrae en estos días, no deja de lado la ironía, el sarcasmo y un cierto patetismo que el propio personaje afronta con humor fino e inteligencia. Continuando con el dibujante Salvador Larroca, compañero de batalla desde su aclamada saga <i>The Most Wanted</i>, Fraction lleva el thriller político-empresarial-militar que ha desarrollado en los últimos meses hasta puntos que, si bien no alcanzan momentos impactantes, prescinden del efectismo barato y se concentran más en desarrollar y construir. Quizá uno de los mejores cómics actuales en México. (9/10)</div>
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<img alt="Irredeemable" border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/Irredeemable2_zps8c912c49.jpg" /></div>
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<b><i>Irredeemable</i></b> #2<br />
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Segundo número de la reinterpretación del mito del superser omnipotente a manos del gran Mark Waid. Navegando entre el thriller y el terror, Waid se enfoca en sentar los precedentes de la obra, creando (o intentando crear) una atmósfera opresora y sofocante, aunque comete el error de dejar toda la carga en únicamente un personaje, fallando en el intento de dotar de poder al mencionado y creando, a final de cuentas, una historia que, de momento, da vueltas en torno a un elemento con poca presencia. (7/10)</div>
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<img alt="New Avengers" border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/NewAvengers23_zps510017e1.jpg" /></div>
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<b><i>The New Avengers</i></b> #11<br />
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Acercándose al final de su etapa en <i>New Avengers</i>, Brian Michael Bendis empieza a cerrar los hilos desatados con el regreso de Norman Osborn tras <i>Dark Reign</i> y <i>Siege</i>. Junto a Mike Deodato, uno de sus incondicionales a lo largo de la serie, Bendis redunda en situaciones ya gastadas dentro de la serie (Osborn y sus Vengadores y las protestas ciudadanas contra superhéroes, entre otras), haciendo lo necesario para darle conclusión a minucias que en su momento creó por ahí, por lo que la falta de novedad o ritmo se hace presente, resultando en una historia insípida y escrita en automático. Prescindible. (7/10)</div>
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<img alt="Secret Avengers" border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/SecretAvengers22_zps84b82744.jpg" /></div>
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<b><i>Secret Avengers</i></b> #11<br />
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Segundo número de la etapa de Rick Remender en la serie de los Vengadores Secretos. Ya desde el inicio la historia tiene su encanto: distanciándose de los escenarios sombríos y misteriosos de Brubaker, Remender apuesta por acción directa y por un equipo más relajado y con una historia que, en general, muestra una interacción de equipo más fluida y situaciones más mundanas y sin tanta solemnidad como la del equipo de Steve Rogers —Genial el momento entre el Capt. Britain y la Reina Isabel II, por cierto—. Gabriel Hardman, por otro lado, ayuda a marcar el mencionado cambio de tono de la serie, logrando un entorno más luminoso y claro gracias a los colores de Bettie Breitweiser y dotando de gran expresión a cada personaje tanto en descanso como en trabajo de campo. Buen momento para darle oportunidad en la serie, en especial por la anunciada incursión de cierto personaje arácnido en páginas interiores. (8/10)</div>
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<img alt="The Ultimates" border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/Ultimates7_zpsa82233bc.jpg" /><img alt="Ultimate X-Men" border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/UltimateX-Men7_zps7a3e980f.jpg" /></div>
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<b><i>The Ultimates/Ultimate X-Men</i></b> #7<br />
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Inicia la andanza mensual de la serie <i>The Ultimates</i>, acompañada momentáneamente por <i>Ultimate X-Men</i>, en el evento<i> Divididos Caeremos</i>. Dejando de lado la etapa de Hickman y Ribic, Sam Humphries se encarga de traer de vuelta al equipo estrella de S.H.I.E.L.D., rescatando a Steve Rogers del retiro y trayendo a un Iron-Man que, en palabras de Tony Stark, es "más rudo que Jay-Z y más hermoso que Beyonce". Pese a todo, y con un Billy Tan a los lapices que cumple, la serie se siente hueca tras la etapa Hickman, dando la impresión de que es un mero encargo editorial para el evento en turno y lograr, si es acaso posible, un repunte en ventas. (5/10)</div>
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Y si alguien necesita ayuda en ventas, esa es la serie de <i>Ultimate X-Men</i>. Publicada a partir del número 14 original y que sólo durará el cruce de series, el relato de los mutantes ultimate ha demostrado desde el final de <i>Ultimatum</i> una falta de rumbo y visión que la han hundido en un estado lamentable, dando la impresión de estorbo y de ser un juguete apestado en la editorial. Poco decir de la serie dada su falta de publicación en México. (4/10)</div>
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<img alt="Wonder Woman" border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/Wonderwoman_zps05b17590.jpg" /></div>
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<b><i>Wonder Woman</i></b> #7<br />
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Si hay una superheroina de la lista A que se vio beneficiada con The New 52, es sin duda Wonder Woman. Su resurgir a manos de Brian Azzarello y Cliff Chiang la ha alejado de la acción burda y sexista a la que la habían arrumbado desde hace años (y en la que Geoff Johns y Jim Lee la tienen muy bien posicionada actualmente en <i>Justice League</i>) y la ha convertido en un personaje maduro y con identidad contundente, evitando ponerla en una postura solemne y enfocándola totalmente en sí misma y su pasado. Quizá su defecto es su mayor verdad: dado el tono sobrio de la serie, se extraña alguna escena de acción, pudiendo llegar a tornarse aburrido en ocasiones. (8/10) </div>
William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-58090674857368390122013-01-08T13:17:00.001-08:002013-01-08T13:30:34.265-08:00Cómics de la semana en México (07/01/2013)<div style="text-align: center;">
<img border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/Batman7_zps60768032.jpg" /><img border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/TheDarkKnight7_zps9692e4ba.jpg" /> </div>
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<i><b>Batman/Batman: The Dark Knight</b></i> #7<br />
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Continúa el asedio de La Corte de los Búhos hacia Batman y Gotham en general, revelando una conexión entre La Corte y un miembro de la ‘batifamilia’ que nadie esperaba. Scott Snyder sigue construyendo un relato que trastoca la historia de la ciudad y que camina hacia un aporte sustancioso en la mitología del murciélago, todo materializado por un Greg Capullo que da más de sí en cada número. (8/10)</div>
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Mientras tanto, en <i>The Dark Knight</i>, Batman continúa con la persecución de White Rabbit, enfrentándose a Bane y rescatando a una damisela en apuros, todo mientras Flash y Superman luchan contra el envenenamiento del primero. Una historia escrita por Paul Jenkins y David Finch que de momento no ha sobresalido y parece escrita en automático, con el dibujo del segundo que, sin ser malo, no pasa de lo correcto. (5/10)</div>
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<img border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/Daredevil1_zpsfb9675ce.jpg" /></div>
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<i><b>Daredevil</b> </i>#1<br />
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Inicia en México la multialabada y multipremiada etapa de Mark Waid y Paolo Rivera a cargo del diablo de Hell’s Kitchen. Con un compilado de tres números en su primera publicación en México, Daredevil renace como un vigilante con actitud positiva y luminosa, buscando dejar atrás el pasado sombrío, trágico y autocompasivo que lo había estado caracterizando en los últimos años (¿o décadas?). Lectura imperdible. (10/10)</div>
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<img border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/Thor13_zps75f38a13.jpg" style="text-align: start;" /></div>
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<i><b>The Mighty Thor</b></i> #13</div>
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Con la invasión de Las Yeguas a Oklahoma y Asgardia y los planes de Amora para atacar a Thor, el Dios del Trueno deberá salir de la pesadilla colectiva en que han sumido a varias criaturas fantásticas. Sin sobresalir en ningún apartado, la serie de Matt Fraction lleva a la serie a un terreno más fantástico, mezclándole con aspectos de la mitología asgardiana, la del Thor del cómic y la fantástica; no obstante, no logra hacerla despegar desde que la tomara poco antes de<i> Fear Itself</i> (exceptuando su historia con Galactus, donde el dibujante Oliver Coipel ponía mucho del valor), continuando con su serie de relatos con poca sustancia que sólo se encargan de cumplir con la entrega mensual. (6/10)<br />
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<img border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/Spider-Men5_zps1243df83.jpg" /></div>
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<i><b>Spider-Men</b></i> #5<br />
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Final de la miniserie semanal del encuentro entre Peter Parker 616 y Miles Morales. Demostrando ser una de las grandes artistas del cómic americano contemporáneo, Sara Pichelli muestra en éste (y en los cuatro números anteriores) personajes y situaciones cargadas de expresión, personalidad y dinamismo, con gran talento a la hora de narrar eventos. Bendis, por otro lado, termina mostrando lo que ya se podía prever tras los dos primeros números: la serie completa ha sido un pretexto para seguir jugando con la “relación” entre la tierra UItimate y la 616, terminando con una viñeta que pretende impactar pero resulta sosa y predecible. Méritos, eso sí, al relato entre el encuentro entre Ultimate May Parker y Peter: momento casi tan emotivo como el funeral del finado arácnido del universo Ultimate. (7/10)<br />
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<img border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/Superman7_zps70d80bab.jpg" style="text-align: start;" /><img border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/ActionComics7_zps07333203.jpg" style="text-align: start;" /></div>
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<i><b>Superman/Action Comics</b></i> #7<br />
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Iniciando con nuevo tándem de artistas (Dan Jurgens y Keith Giffen coescribiendo y dibujando el segundo), la serie introduce a Helspont, personaje típico del universo <i>Wildstorm</i>, en la continuidad de DC, retratándolo como un villano grandilocuente, de grandes discursos y poca acción. El cambio de escritores, aunque le imprime cierta frescura (en comparación con George Pérez), no deja de mostrar a un Superman aburrido y poco contundente, por lo que habrá que ver el resultado del trabajo del nuevo grupo. (6/10)</div>
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Por otro lado, en <i>Action Comics</i>, Grant Morrison continúa con la presentación de El Coleccionista, ahondando en el pasado kryptoniano de Clark y estableciendo algunos elementos clásicos de Superman. Con Rags Morales a los lápices, la serie avanza poco a poco en la concreción de Clark como el superhéroe, dejando a Morrison desplegar los conceptos que tanto le gustan con Superman en términos de sci-fi e incluso comedia. (8/10)<br />
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<img border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/TheTraveler1_zps1a9142a8.jpg" style="text-align: start;" /></div>
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<i><b>The Traveler</b> </i>#1<br />
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Con los nombres de Stan Lee y Mark Waid en portada, <i>The Traveler</i> se antoja como una obra de revisión indispensable, siendo además la segunda serie publicada por Bruguera Cómics, una de los dos nuevas editoriales de cómics en México. Proponiendo a un superhéroe que puede viajar por el tiempo, el primer número resulta prometedor más por los nombres involucrados que por la serie en sí, que aunque plantea algunos elementos que puedan dar para mucho en manos de los involucrados, de momento no hay nada sobresaliente, ni un Chad Hardin que cumple bien y nada más. (6/10)<br />
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<img border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/UltiSpider-Man_zpsf42e3e67.jpg" style="text-align: start;" /></div>
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<i><b>Ultimate Spider-Man</b></i> #13<br />
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Inicia <i>Divididos Caemos</i>, el crossover de la línea Ultimate que involucra a sus tres series regulares (Spider-Man, Ultimates y X-Men, siendo estas dos publicadas en México en un solo libro). Mientras Miles Morales sobrelleva la muerte de su tío y la acusación de los medios sobre Spider-Man y su presunta autoría en la muerte del mencionado, Steve Rogers regresa como Capt. America para enterarse de la existencia de este nuevo Hombre Araña, decidiendo tomar acciones al respecto. Pese a no ser contar con historia sobresaliente, Bendis sigue demostrando talento para desarrollar personajes adolescentes, construyendo tanto en éstos como en otros actores un trasfondo sicológico y emocional vivaz y coherente. David Marquez, dibujante sustituto de la monumental Sara Pichelli, viene a reafirmar la excelente calidad del apartado gráfico de la etapa de Miles Morales, equiparándose, y en ocasiones superando, a la artista italiana. (8/10)<br />
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<img border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/UncannyX-Men13_zps944204cd.jpg" style="text-align: start;" /></div>
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<i><b>Uncanny X-Men</b></i> #11</div>
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Siguiendo con los tie-in de <i>Avengers vs X-Men (</i>al igual que la serie regular de <i>Avengers),</i> este número transcurre durante <i>el </i>round cinco del mencionado evento y se divide en dos historias totalmente distintas, siendo la segunda, que tiene como protagonista a Mr. Sinister, la que hace que valga la pena el cómic. En general, número que, pese a cumplir en historia y dibujo en ambos aspectos, se antoja anacrónico y poco atractivo tras la finalización (hace más de dos meses) del evento del que forma parte. (8/10)<br />
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<img border="0" src="http://i1301.photobucket.com/albums/ag107/gmosantamaria/Wolverine13_zps5fb151bc.jpg" style="text-align: start;" /></div>
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<i><b>Wolverine</b></i> #16<br />
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Con nuevo escritor al mando (Cullen Bunn), el número intenta reintegrar a Wolverine a su habitual rutina, alejándolo de los dramones personales que lo habían atacado en números anteriores y poniéndolo en zona de ataque. Buscando pistas de un enemigo que lo ha incriminado en una serie de asesinatos, Logan hará una travesía que requerirá que haga eso en lo que es el mejor, relatando una historia que, si bien retoma la línea clásica de acción de Wolverine, aporta muy poco a la serie, esforzándose más en mostrar escenarios dignos de cualquier película de terror de clase B, en las que Paul Pelletier y David Meikis se lucen mostrando eficiencia tanto en los baños de sangre como en el contexto gore. (7/10)</div>
William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-24546621122050332162012-09-19T21:26:00.000-07:002012-09-19T21:40:21.847-07:00Fallar<div style="text-align: justify;">
Recientemente me ha rondado en la cabeza cierta preocupación, en la que no ahondaré acá tanto porque no escribo mucho aquí como porque es algo sumamente personal, me ha hecho replantearme por enésima vez muchísimas cosas. Esta preocupación, no obstante, me parece una de las más serias y fuertes que me hayan aquejado en años, y las cuestiones que me ha hecho replantearme no son de dinero, laborales ni ninguna del tipo "qué haré con mi vida de aquí en adelante", sino de un tipo de las que nunca había tenido antes: el sentimiento de haberle fallado a alguien.</div>
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Específicamente a mi madre, claro (y disculparán la ñoñez, pero si he tenido una figura fuerte y de apoyo en estos meses difíciles ha sido ella). Dados los años y el tipo de relación que hemos tenido, nunca desarrollé un sentimiento de responsabilidad con mi madre ni con mi familia en general, lo cual se extendió eventualmente a cualquier amigo, compañero o conocido. </div>
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La cuestión se dio por varias razones: por ego, principalmente; porque nunca nadie me exigió nada y porque nunca me he propuesto metas que me apasionen, más allá de las protocolarias y propias de la vida burguesa. No sé a dónde quiero ir y nadie se interesa por ello, así que no desarrollo un compromiso con nadie. No se espera más de mí que aprobar en la escuela, conseguir un trabajo y casarme (bueno, al menos cierta parte de mi familia...), y como esas cosas son por default, en realidad no siento que nadie espere de mí.</div>
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Hace unas semanas, sin embargo, me ocurrió algo que destruyó la percepción de seguridad de mi vida, que, con una dosis alta de paranoia, me hizo ver cerca la posibilidad de morir. Me tuvo consternado por más de una semana, vislumbrando varios escenarios de acción drásticos en los que debía tomar decisiones fuertes. Y me encontré con algo curioso: no pensé en mí. Digo, sí pensé en mí, pero mi prioridad pasó, eventualmente, a pensar en mi madre. Pensé por primera vez en fallarle a alguien que me quería, en no cumplir las expectativas que se tenían de mí y en cuánto eso podría lastimar a esa persona. Imaginármela llorando, decepcionada, preguntándose en qué había fallado o qué había hecho mal (como buena madre católica mexicana) me detuvo mientras caminaba y me dejó hecho piedra por casi un minuto. Fue una culpa que nunca había sentido y ante la cual no supe cómo actuar, pues, en el escenario en mi mente, no había nada que pudiera hacerse: había caído a un punto muy bajo frente a mi mamá y no podía decir ni hacer nada que valiera la pena.</div>
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Después caminé, llegué a casa y hablé con mi mamá. Nos vimos por la cámara. Platicamos de muchas cosas, de cómo estaba la familia allá y de cómo me iba a mí. Me disculpé por no hablarle en estos últimos días, y me pidió de favor que no hiciera eso pues se preocupaba mucho por mí. Hablamos de todo pero nunca pensé en siquiera sugerir el tema. Platiqué con mi hermana también, lo cual fue bueno. Finalmente, me despedí de mi madre deseándole buenas noches. Le di las gracias por todo.</div>
William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-32046833627158515042012-07-30T14:40:00.001-07:002012-07-30T15:44:31.301-07:00El último caballero oscuro<div style="text-align: center;">
<img alt="The Dark Knight Rises" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/batman_200612.jpg" />
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Como superhéroe, nunca sentí el nivel de fanatismo o afecto que la mayoría de la gente suele tener con Batman. Desde niño siempre fui más de Superman: me gustaba la idea del Dios piadoso y caritativo que daba todo de sí por ayudar a la humanidad —de ahí mi gusto por <i>All-Star Superman</i>, de Morrison, que muestra el lado más humano e idealista del encapotado de rojo—. Batman, por otro lado, me resultaba un concepto soso: un hombre cualquiera vestido para combatir criminales y uno que otro supercriminal, motivado por algo tan mundano como la muerte de los padres <span style="background-color: white;">—ya de niño la violencia me parecía algo dentro de lo común, incluso la de ese tipo</span><span style="background-color: white;">—</span><span style="background-color: white;"> mientras que se daba una vida de lujo y riqueza en su mansión. Sentí más cercano a Superman, comprendí más su drama, el de un ser solitario y distinto por naturaleza, que el de Batman/Bruce Wayne, pues encontraba imposible empatizar con un multimillonario de condición física inhumana que dedicaba su tiempo libre a combatir el crimen.</span></div>
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Llegó <i>Batman Begins</i> (2005). Dirigida por Christopher Nolan y con un Bruce Wayne que dejaba de lado ese tufillo de playboy mamonazo que no habían podido dejar de lado ninguna de las adaptaciones audiovisuales del personaje en la pantalla grande (y Adam West), sentí una debilidad muy grande por esta versión tanto del mencionado Wayne como de Batman: el uno revolcándose y sufriendo, formándose lejos del perfil de niño rico y mostrándose reacio a él, usándolo como un disfraz; el otro mostrándose francamente incompetente en muchas situaciones, necesitando de terceros ya no para salir airoso, sino con vida. Lo mismo vendría en <i>The Dark Knight </i>(2008), en la que se reinterpretaría a uno de los personajes más afamados del universo del murciélago, Joker, como una fuerza pura de anarquía y caos, que llevaría a Batman a disyuntivas éticas y físicas que lo pondrían al límite, haciéndolo pequeño y despojando al personaje de su cabronez clásica para dejarlo convertido en un hombre sin todas las fuerzas ni todas las respuestas y que llega a un punto de dar lástima. <i>TDK</i> quedó como la mejor película de superhéroes y hasta ahí. Y luego siguió <i>The Dark Knight Rises</i>.</div>
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A nivel expectativa, es imposible no ver a <i>TDKR</i> como un producto mediático, como la parte final de un espectáculo iniciado hace siete años. Chris Nolan viene a finalizar una de las trilogías más aclamadas de los últimos años, al nivel de la de Peter Jackson en cuanto a penetración en la cultura del cinéfilo promedio. Mucho de esto tiene que ver sin duda con Heath Ledger y su Joker, el aporte máximo de la saga a la cultura popular. Su acierto quizá fue hacerlo totalmente suyo al mofarse de todo lo que los fans sabíamos sobre él <span style="background-color: white;">—<i>You wanna know how I got these scars?</i></span><span style="background-color: white;">— </span><span style="background-color: white;">y mostrarlo como un ser cuasisobrenatural, un ente sin origen ni destino que encarnaba el caos y el azar y cuyos planes eran ambiguamente posibles. Aparte de ello, la trilogía de Nolan ofrece muy poco que pueda competir, en un nivel crítico, con la trilogía de Jackson, o incluso la de Raimi, pero deja en <i>The Dark Knight </i>un motivo para hacerse fan de su versión del superhéroe DCíta en lo icónico, construyendo a un personaje que, en su sencillez y falta de seriedad, se convirtió en favorito instantáneo.</span></div>
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<span style="background-color: white;">Y en ese aspecto <i>The Dark Knight Rises</i> no supera a su antecesora. Ni en ese ni en el cinematográfico.</span></div>
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<span style="background-color: white;">Habría que recalcar que, ante todo, <i>TDKR</i> es una película que muestra muchas de las características de Nolan y que, además, recicla muchísimo de su antecesora, como la historia
— otra vez nadie puede salir de Gotham por orden del villano, hay explosivos/bombas de por medio, el malo intenta despertar a los ciudadanos de la ciudad a nivel filosófico...</span><span style="background-color: white;">—</span><span style="background-color: white;">. Desde el trabajo de Hans Zimmer, que aquí también se vuelve pomposo y opaca, por deseo explícito de Nolan, a la acción en pantalla, hasta el montaje, sello característico del director y en el que llegan a basarse mucha de sus virtudes en escenas de acción, más allá de la filmación de las mismas. Su ritmo es inconstante, no pudiendo hacer que la película fluya ágilmente muchas ocasiones y estancándose en largos periodos de explicaciones y profundización de personajes y situaciones que sirven meramente como preludio al "gran momento" de la película. </span></div>
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En todo caso, lo mejor de <i>TDKR</i> y de la saga en general son sus personajes y quienes los interpretaron. El conjunto llega a ser inestable, pero en solitario varios funcionan como piezas clave para contar la historia, como una baraja de tarot. Resultan atractivos por la reinterpretación, por la mirada particular <span style="background-color: white;">—y esto sin decir que es propiamente buena o mala</span><span style="background-color: white;">— de los Nolan y Goyer. La intención de hacerlos, dentro de lo posible, personajes reales y humanamente creíbles. Quizá es por ese Batman a medio morir que, después de tanto entrenamiento, sigue siendo incapaz de trabajar solo o por ese Joker contradictorio, que se presenta como el caos pero que en realidad es un planificador de precisión milimétrica.</span></div>
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<span style="background-color: white;">Y bueno, terminando con <i>The Dark Knight Rises</i>: no, no es perfecta y, como dije, no supera a <i>The Dark Knight</i>. Sin embargo, es un cúmulo de lo típico en Nolan, lo que a algunos nos resulta disfrutable. Y, siendo fan, temo que debo dar mis manos a torcer por el amor a la saga: es una película mejorable, pero no dejo de admirar lo hecho, no dejo de apreciar el espectáculo </span><span style="background-color: white;">—y en ese sentido, creo, sobresale en comparación con cualquier <i>blockbuster</i> proyectado en lo que va del año</span><span style="background-color: white;">—</span><span style="background-color: white;"> y de emocionarme por saber que, al menos que haya una buena oferta para Nolan y compañía, es el final de este Batman particular.</span></div>
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<img alt="The Dark Knight Rises" border="0" src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/bane.jpg" /></div>
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<div style="background-color: white; color: #333333; font-family: Georgia, serif; font-size: 13px; line-height: 20px; text-align: center;">
<b><i>The Dark Knight Rises</i></b></div>
<div style="background-color: white; color: #333333; font-family: Georgia, serif; font-size: 13px; line-height: 20px; text-align: center;">
<i>Estados Unidos, Reino Unido; 2012</i><br />
Director: <i>Christopher Nolan</i><br />
Protagonistas: <i>Christian Bale, Tom Hardy, Anne Hathaway, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard</i></div>William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-47879174366254520582012-06-07T09:18:00.000-07:002012-06-07T09:19:18.234-07:00Palabras de un rey<i>—¿Tengo que hacer venir a Pate? A mí no me das órdenes, ¡soy tu madre!<br /></i><br />
<i>—Sí, pero yo soy el rey. Margaery dice que todo el mundo tiene que hacer lo que el rey mande. Quiero mi corcel blanco ensillado mañana, para que Ser Loras me enseñe a justar. También quiero un gatito y no quiero comer remolachas. —Se cruzó de brazos.<br /></i><br />
<i>Jaime no paraba de reír. La Reina no le hizo caso.</i><br />
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<div style="text-align: right;">
—<b><i>Festín de cuervos</i></b>, de George R. R. Martin.</div>
<div style="text-align: right;">
<span style="color: #333333; font-family: Georgia, serif; font-size: x-small;"><span style="line-height: 16px;"><br /></span></span></div>William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-66493795853115116262012-04-01T21:21:00.004-07:002012-04-01T21:34:49.039-07:00Sin gusto por la poesíaHoy, mientras me encontraba sentado en una de las bancas del centro de Coyoacán junto a una amiga, nos abordó un señor con una carpeta en mano y, muy educadamente, nos preguntó si queríamos que nos leyera alguno de sus poemas. Durante tres segundos, mi mente hirvió pensando en la respuesta a la pregunta, mientras mi amiga entraba en un estado de indecisión frente a la situación. "No, gracias. La verdad es que no me gusta la poesía", terminé respondiendo con toda sinceridad. Retirado el hombre, quien agradeció con la misma educación la respuesta, mi amiga me comentó: "La verdad es que a mí tampoco me gusta, aunque a mi hermano sí. Y así anduvo Neruda, por cierto".<div style="font-style: normal; "><br /></div><div>La verdad es que no: no me gusta la poesía. Que Arthur Rimbaud sea una de mis figuras literarias favoritas se debe a su persona, a la actitud de rebeldía juvenil y humana que lo convirtió en uno de los emblemas del anarquismo, y no a su trabajo. Tolero —y uso el verbo sin ínfulas, únicamente porque es el preciso— la poesía de Cortázar y de Sor Juana por su sencillez y su falta de solemnidad, pero no soporto la actitud ridícula, digna de cliché, que suele envolver a la mayoría de los poetas, especialmente a los modernos. La poesía me llega, en todo caso, cuando se acerca más a los modos narrativos literarios (<i>The raven</i>, de Poe), no cuando se pierde en conceptos inconexos y sin motivo, que funcionan únicamente como vehículo de onanismo esnob para quien lo escribe y da a conocer, para quien espera fascinación babosa de parte de ciertos círculos.</div><div><br /></div><div>Que no me guste la poesía es, también, muestra de mi falta de sensibilidad ante las artes y mi incapacidad por comprender más allá de lo ya masticado. O quizá no, pero prefiero argumentar eso ante cualquier posible crítica por mi mundano disgusto por aquello que, casi siempre, sólo tiene forma para quien lo escribe.</div>William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com6tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-61822818463219693572012-03-25T15:16:00.002-07:002012-03-25T16:36:19.767-07:00Odisea<div style="text-align: justify;"><span style="font-size: 100%; ">Disculparán la ausencia de un mes acá. Me he mudado de ciudad (ahora estoy en el DF, para los interesados) y he tenido que afrontar varias cosas propias de un movimiento de esta índole, desde encontrar donde vivir hasta conseguir trabajo, que de momento me ha parecido lo más difícil.</span></div><div style="text-align: justify;font-style: normal; "><br /></div><div style="text-align: justify;">No obstante, el mayor de los problemas con los que he lidiado ha sido la soledad. Me sorprendí a mí mismo hace unas semanas, cuando caí en cuenta de lo poco preparado que estoy para enfrentarme al hecho de estar viviendo solo y que, a la larga, quizá este podría ser mi <i>modus vivendi</i>: alejado no sólo de mis seres queridos, sino de los seres que me quieren.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Platiqué de estas inquietudes con algunos amigos y tuve respuestas muy dispares. Unos se abocaron por la idea de que la soledad es el camino natural del humano, por lo que estaba viviendo un proceso inherente a mi naturaleza. Me apabulló muchísimo la idea y la rechacé inmediatamente, pues no estaba en una situación, en ese momento, de visualizar más semanas o meses con esta misma sensación de vacío, de no encontrar a alguien en quién apoyarme.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Me acordé, en ese instante, de algo que me dijo mi madre días antes de moverme hacia acá y que yo menosprecié, pues, como dije, nunca esperé encontrarme en este estado de espíritu: "Allá estarás solo. Sé que a veces nosotros —mis hermanos y ella— te podemos desagradar o preferirías no vernos, pero sabes que siempre estamos acá: sabes que si abres la puerta de tu cuarto puedes caminar y encontrarnos. Sabes que por las mañanas, si bajas, me vas a encontrar a mí trabajando o en la cocina, que va a haber desayuno ya hecho. Sabes que si un día te pasa algo en la calle puedes llamarme y yo iré a ayudarte. Sabes que si te sientes mal puedes venir a hablar conmigo, aunque no te guste, y si tienes algún problema juntos podemos ver el modo de solucionarlo". Sobra decir que había (y hay) inmensa sabiduría y certeza en sus palabras.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Otros amigos me hablaron sobre la normalidad del sentimiento y de cómo formaba parte de un proceso de adaptación, algo que teóricamente ya había contemplado pero que en la práctica no he podido sobrellevar. En todo caso, desde entonces he asimilado un poco más la soledad, abrazándola no como una maldición sino como una oportunidad. Eso sí, sigo sin dejar de añorar la compañía de las personas. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Y con un mes acá, ya me estoy dando cuenta de ciertas cosas de las que me hacía falta darme cuenta. Mi odisea, que aún tiene un final incierto, fue emprendida con varias metas a cumplir. Hasta el momento, siento que estoy alcanzando una de ellas, lo cual me alegra muchísimo.</div>William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-6141725145403612732012-02-25T23:17:00.002-08:002012-02-26T09:09:26.968-08:00Recuerdos<div style="font-style: normal; text-align: center; "><span style="font-size: 100%; "><img src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Memories5.png" border="0" alt="Magnetic rose" style="text-align: left; " /> </span></div><div style="font-style: normal; text-align: justify; "><span style="font-size: 100%; "><br /></span></div><div style="font-style: normal; text-align: justify; "><span style="font-size: 100%; ">De entre las obras de Satoshi Kon, una de las más curiosas debe ser la que fraguó junto a Katsuhiro Otomo, creador del manga <a href="http://es.wikipedia.org/wiki/Akira">Akira</a> y director de su cinta animada, allá por mediados de los 90 del siglo pasado. La obra en cuestión, llamada </span><i style="font-size: 100%; "><b>Memories</b></i><span style="font-size: 100%; ">, es un compendio de tres cortometrajes que no siguen una tónica común, resultando tan diferentes entre sí que bien pueden funcionar como obras independientes (y, de hecho, lo hacen), y que sólo comparten el vínculo del mencionado Otomo, pues incluso en lo que respecta a la dirección artística y estilo de animación presentan diferencias bien marcadas.</span></div><div style="text-align: justify; font-style: normal; "><br /></div><div><div style="font-style: normal; text-align: justify; "><span style="font-style: normal; font-size: 100%; ">Estas tres obras son </span><i style="font-size: 100%; "><b>Magnetic rose</b></i><span style="font-style: normal; font-size: 100%; ">, un thriller de ciencia ficción que bebe considerablemente de Ridley Scott y Kubrick; </span><i style="font-size: 100%; "><b>Stink bomb</b></i><span style="font-style: normal; font-size: 100%; ">, una historia cómica aparentemente basada en un hecho real, y </span><i style="font-size: 100%; "><b>Cannon fodder</b></i><span style="font-style: normal; font-size: 100%; ">, una enigmática parábola sobre la existencia belicosa y las aspiraciones humanas.</span></div><div><div style="font-style: normal; text-align: justify; "><br /></div><div style="text-align: justify; ">De entre las tres, la mejor lograda resulta <i>Magnetic rose</i>, que es, justamente, la historia en donde se da la participación entre Kon y Otomo. Dirigida por Koji Morimoto (quien se encargara del cortometraje de la casa encantada en <i style="font-style: normal; ">Animatrix</i>), con guión de Satoshi Kon y basado en una historia de Katsuhiro Otomo, <i>Rosa magnética</i> es una <i>space opera</i> sobre una nave recolectora de chatarra la cual recibe, a través del canal de SOS de la nave, una grabación de la música de <i>Madame Butterfly</i>, de Puccini. Saliéndose totalmente del programa de trabajo, el jefe del equipo decide responder a la llamada de auxilio y envía a dos de sus hombres, Heinz y Miguel, a inspeccionar lo que resulta ser un gigantesco cúmulo de chatarra con una fuerza gravitatoria descomunal. Adentro, Miguel y Heinz encontrarán no sólo un increíble mausoleo dedicado a una hermosa mujer llamada Eva Friedel, de la que al principio no saben nada, sino también una presencia ignota que los acechará en todo momento.</div><div style="font-style: normal; text-align: justify; "><br /></div><div style="font-style: normal; text-align: center; "><img src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Memories3.png" border="0" alt="Magnetic rose 2" style="text-align: left; " /> </div></div></div><div style="text-align: justify; font-style: normal; "><br /></div><div style="text-align: justify; font-style: normal; "><i>Magnetic rose </i><span style="font-style: normal; ">es una mezcla de muchos elementos en distintos niveles. Por un lado, hay una clarísima influencia del ya mencionado Ridley Scott y su </span><i>Alien</i><span style="font-style: normal; ">, fabricando un entorno humano espacial destartalado y rudimentario: los tripulantes no conviven en un espacio pulcro y organizado como el de Star Wars o Star Trek, sino en un ambiente caótico y algo ruinoso, desarrollando una relación totalmente informal y hasta cierto punto impúdica, todo alentado por la falta de convivencia humana externa. La esencia de </span><i>Alien</i><span style="font-style: normal; "> se palpa también en la atmósfera thriller lograda en el desembarco de Heinz y Miguel al mausoleo, creando tensión a causa de un acecho no siempre definido pero que se manifiesta de modo puntual. Incluso la escena de llegada de ambos elementos al misterioso lugar rememora al arribo de la tripulación del Nostromo al planetoide del Space Jockey. </span></div><div style="text-align: justify; font-style: normal; "><br /></div><div style="text-align: center; font-style: normal; "><img src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Memories4.png" border="0" alt="Magnetic rose 3" style="text-align: left; " /> </div><div style="text-align: justify; font-style: normal; "><br /></div><div style="font-style: normal; text-align: justify; ">Kubrick, por otro lado, se convierte en la influencia principal a nivel iconológico. Más allá del aura tenebrosa y siempre en vilo, <i>Magnetic rose</i> trata temas profundos y humanos. La dualidad es uno de ellos, sometiendo a los personajes a disyuntivas entre la realidad y la fantasía, lo vivo y lo muerto, el pasado y el presente, la fastuosidad y la decadencia y lo natural y lo artificial. Más que elementos visuales, estos binomios son cruciales para la toma de decisiones de los personajes, en especial de Heinz, quien ve quebrantada su psique en varias ocasiones a causa de la perspectiva de enfrentarse a estos elementos. También hay un sentimiento abrumador de soledad y vacuidad, usando el espacio exterior como una metáfora de la abstracción del exterior del alma humana, con las penas y tristezas que cada uno encierra en sí y que amplían la nada entre ser y otro. Sus tres protagonistas, Eva Friedel (presente a través del mausoleo y todo lo dedicado a ella), Heinz y Miguel se ven atrapados en un espacio y un momento que los aparta de los demás, potenciando el aislamiento externo que implica el estar flotando en la nada, a años luz de sus seres queridos.</div><div style="text-align: justify; font-style: normal; "><br /></div><div style="text-align: justify; "><span style="font-style: normal; ">Otro elemento crucial y que ayuda a entender de modo más completo </span><span><i>Rosa magnética</i></span><span style="font-style: normal; "> es la banda sonora, compuesta por Yoko Kanno y que incluye varios fragmentos de la obra de Giacomo Puccini, tanto en lo musical como lo temático. El punto álgido de la película, en el que la influencia de Eva Friedel alcanza su punto máximo, está acompañado de un aria de </span><i>Madame Butterfly</i>. Asimismo, Eva guarda muchísimas similitudes con Floria Tosca, de <i>Tosca</i>, otra obra de Puccini.</div><div style="font-style: normal; text-align: justify; "><br /></div><div style="font-style: normal; text-align: center; "><img src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Memories6.png" border="0" alt="Magnetic rose" style="text-align: left; " /> </div><div style="font-style: normal; text-align: justify; "><br /></div><div style="font-style: normal; text-align: justify; ">En el final, <i>Rosa magnética</i> resulta una historia exhaustiva por su dramatismo, majestuosamente narrada y que no deja clara su naturaleza como historia de ciencia ficción o de fantasía, jugando con el espectador del mismo modo que juega con sus protagonistas, envolviéndolos en mecanismos y artificios que no terminan de entenderse. La pasión de sus personajes, acentuada por el poder de las piezas de ópera, le confieren al metraje una fuerza incandescente, encumbrándose como la que, me parece, es una de las obras de anime mejor logradas de los últimos 20 años.</div><div style="font-style: normal; text-align: justify; "><br /></div><div style="font-style: normal; text-align: center; "><img src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Stinkbomb.png" border="0" alt="Bomba apestosa" style="text-align: left; " /> </div><div style="font-style: normal; text-align: justify; "><br /></div><div style="font-style: normal; text-align: justify; ">La segunda parte de <i>Memories</i> es una comedia llamada <i>Stink bomb</i>, dirigida por Tensai Okamura y guionizada por Katsuhiro Otomo, presumiblemente basada en un incidente real ocurrido a <a href="http://en.wikipedia.org/wiki/Gloria_Ramirez">Gloria Ramírez</a>. </div><div style="font-style: normal; text-align: justify; "><br /></div><div style="font-style: normal; text-align: justify; ">Nobuo Tanaka, trabajador de una farmacéutica japonesa, ingiere un medicamento experimental para combatir el resfriado que lo aqueja, sin saber los efectos secundarios que éste podría traerle. Después de una siesta durante sus horas de trabajo, despierta para encontrar a todo el personal del edificio inconsciente, procediendo a contactar directamente con los altos mandos de la empresa, quienes le ordenan viajar a Tokio (el laboratorio se encuentra a las afueras de la ciudad) con el medicamento experimental que él ingirió. Nobuo iniciará el viaje con la preciada carga, encontrando a su paso desolación y ruina, así como un gran éxodo de personas hacia Tokio, huyendo de una amenaza que desconocida pero que parece seguirle la pista al joven.</div><div style="font-style: normal; text-align: justify; "><br /></div><div style="font-style: normal; text-align: center; "><img src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Stinkbomb2.png" border="0" alt="Bomba apestosa 2" style="text-align: left; " /> </div><div style="font-style: normal; text-align: justify; "><br /></div><div style="font-style: normal; text-align: justify; "><i>Bomba apestosa</i> resulta la historia menos sobresaliente del trinomio, prefiriendo un narración clásica y lineal, sin ápice de pretensión más allá de la narración del evento. Aunque no exige el mismo nivel de producción que el de <i>Magnetic rose</i>, cumple con los requerimientos de la obra, teniendo uno que otro momento visualmente sobresaliente. Es, sobre todo, una crítica al espíritu bélico japonés y estadounidense, ridiculizando los excesos de cada uno y haciendo una ligera mofa de la tensa relación entre ambas naciones en ese aspecto.</div><div style="font-style: normal; text-align: justify; "><br /></div><div style="font-style: normal; text-align: center; "><img src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Cannonfodder6.png" border="0" alt="Cannon fodder 3" style="text-align: left; " /> </div><div style="font-style: normal; text-align: justify; "><br /></div><div style="font-style: normal; text-align: justify; ">Al final, <i>Cannon fodder</i> completa la trilogía. Dirigida y escrita por Katsuhiro Otomo, es la más experimental y simbólica de las tres, resaltando además por una estética más <i>toon</i> y un tono prácticamente infantil, aunque plagado de metáforas sencillas y muy obvias<span style="font-size: 100%; ">.</span></div><div style="font-style: normal; text-align: justify; "><span style="font-size: 100%; "><br /></span></div><div style="font-style: normal; text-align: justify; ">La historia se desarrolla en una ciudad <i>steampunk</i> dedicada exclusivamente al disparo de proyectiles con objetivo allende las fronteras. Se centra en una familia compuesta por el padre, la madre y un hijo, cada uno cumpliendo con un rol dentro de la gran maquinaria urbana: el hijo se educa en un colegio cuyo programa de estudios se basa exclusivamente en aquellas materias que se involucren directamente con el lanzamiento de misiles, la madre trabaja en la fábrica de ensamble de ojivas y el padre labora en el cañón más grande de la ciudad, ubicado en la cúpula más alta y con el mayor poder de alcance y destrucción. </div><div style="font-style: normal; text-align: justify; "><br /></div><div style="font-style: normal; text-align: center; "><img src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Cannonfodder3.png" border="0" alt="Cannon fodder 5" style="text-align: left; " /> </div><div style="font-style: normal; text-align: justify; "><br /></div><div style="font-style: normal; text-align: justify; ">El motivo de esta perenne guerra es un enemigo que se encuentra a las afueras de la ciudad, el cual nunca se manifiesta de algún modo pero que se sabe que está ahí. Cada recurso económico y humano de la ciudad se encauza en la preservación de la guerra, lo que sólo funciona con la sumisión voluntaria de cada mente de la ciudad<span style="font-size: 100%; "> en pro del religioso ritual diario de lanzamiento de misiles.</span></div><div style="font-style: normal; text-align: justify; "><span style="font-size: 100%; "><br /></span></div><div style="font-style: normal; text-align: justify; "><span style="font-size: 100%; ">Otomo no tiene empacho en hacer, como ya se dijo, una metáfora sencilla y directa de la sociedad como una masa descerebrada que funciona por ideas estúpidas. Esto se evidencia en dos momentos claves de la película: el pomposo ritual de ataque del cañón supremo de la ciudad (en el cual trabaja el padre de la familia protagonista), en el que participa un hombre condecorado y de gran rango que se dedica a apretar el botón de lanzamiento, y durante una cena de la familia, en la que el hijo le pregunta al padre contra quién están peleando y él sólo atina a responder, sin detenerse a pensarlo ni un segundo, que "lo sabrás cuando seas grande". La escasa cultura de la sociedad, con sus medios de comunicación, gira completamente en torno a la guerra: la estructura <i>steampunk</i> de los edificios recuerda a cañones, con largas tuberías y chorros de vapor escapando constantemente de ellos; las noticias sólo dan información referente a la velocidad del viento u otros factores que afecten al lanzamiento de misiles e incluso los programas de televisión, como "La familia cañón", giran en torno a ello. De ahí que el pequeño de los hijos, al no recibir razones pensadas o información concisa sobre el por qué de la situación local, sólo pueda aspirar, con todo fervor, a formar parte íntegra de esa gran maquinaria en la que se encuentra sumido todo aquel que conoce.</span></div><div style="font-style: normal; text-align: justify; "><span style="font-size: 100%; "><br /></span></div><div style="font-style: normal; text-align: center; "><span style="font-size: 100%; "><img src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Cannonfodder7.png" border="0" alt="Cannon fodder 2" style="text-align: left; " /> </span></div><div style="font-style: normal; text-align: justify; "><span style="font-size: 100%; "><br /></span></div><div style="font-style: normal; text-align: justify; "><i>Memories</i> resulta una obra diversa y plural tanto por la calidad de cada cortometraje en comparación con otro como por las virtudes y fallas de cada obra en su propio contexto. Imprescindible, eso sí, pues sus valores de producción están muy por encima de las películas de animación occidental y anime modernas, y porque, además, tiene tras de sí un grupo de gente talentosa y reconocida: Satoshi Kon y Katsuhiro Otomo no son cualquier cosa.</div><div style="font-style: normal; "><br /></div><br /><div style="font-style: normal; text-align: center; "><img src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Memoriesportada.jpg" border="0" alt="Poster" style="font-size: 100%; " /></div><div style="font-style: normal; text-align: center; "><br /></div><div style="font-style: normal; text-align: left; "><div style="color: rgb(51, 51, 51); font-size: 13px; line-height: 20px; background-color: rgb(255, 255, 255); text-align: center; "><b><i>Memories</i></b></div><div style="color: rgb(51, 51, 51); font-size: 13px; line-height: 20px; background-color: rgb(255, 255, 255); text-align: center; "><i>Japón; 1995</i><br />Director: <i>Katushiro Otomo, Koji Morimoto y Tensai Okamura</i><br />Voces: <i>Gara Takashima, Tsutomu Isobe, Koichi Yamadera, Hideyuki Hori, Isamu Hayashi</i></div></div>William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-36902445320100739832012-02-09T19:51:00.000-08:002012-02-09T20:08:29.686-08:00Un comentario sobre Alan Moore<div style="text-align: center;"><blockquote></blockquote><img src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/AlanMoore-1.jpg" border="0" alt="Alan Moore" /><br /><span >Alan Moore. Retrato de Frank Quitely (busquen los detalles en la barba...).</span></div><br /><blockquote><i>Alan Moore siempre me ha parecido que puede dar a veces mala imagen por el sencillo motivo de ser una persona que no siente la necesidad de justificarse constantemente ante la industria y los fans.<br /><br />Pero cuando habla se nota que es una persona muy consecuente (no siempre tiene razón, pero es un hombre de ideas firmes y nada hipócrita) y de grandes valores humanos.<br /><br />Si es el más grande no es sólo por su obra, sino porque casi siempre ha sabido mantener una dignidad que ya quisieran muchos. Cumple la máxima de genio y figura.</i></blockquote><div style="text-align: right;"><blockquote>—Khonshu</blockquote></div><div style="text-align: right;"><br /></div><div style="text-align: left;">(Leído <a href="http://www.zonanegativa.com/?p=39728">acá</a>.)</div>William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com5tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-90752132047971538122012-02-04T12:02:00.000-08:002012-02-04T15:47:56.684-08:00Breves vistas<div><b style="text-align: left; "><i><span><br /></span></i></b></div><b style="text-align: left; "><i><span>Drive</span></i></b><span style="text-align: left; "> (2011)</span><div><br /></div><div style="text-align: justify;">Forma sobre fondo. Un juego de arquetipos en el que la luz es el protagonista principal (no recuerdo una escena significativa en la que el juego de luces y sombras y/o la iluminación no tuvieran un papel fundamental). Pese a todo, y con mi manía por darle a la historia y su narración la máxima importancia, no la encontré tan sobresaliente como me la contaban: los personajes no sacan a relucir mucho de ellos, se comportan como meras fichas de ajedrez o una baraja de tarot, llenando roles en el cuento (tan es así que el protagonista, interpretado por Ryan Gosling, no tiene nombre propio), lo que, a la larga, no genera interés en lo que les pueda llegar a pasar. La identificación o interés con cualquiera de los protagonistas que parece que muchos han experimentado viene, en todo caso, de la pose. En especial de Gosling, que no deja de ser el caballero bien parecido, callado y sobrio que puede convertirse en una máquina de matar sólo para defender a quien ama. Atractivo para cualquier persona.</div><div><br /><div style="text-align: center;"><img src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Drive-Poster1-574x814.jpg" border="0" alt="TGWTDT" /></div></div><br /><div style="color: rgb(51, 51, 51); font-size: 13px; line-height: 20px; background-color: rgb(255, 255, 255); text-align: center; "><b><i>Drive</i></b></div><div style="color: rgb(51, 51, 51); font-size: 13px; line-height: 20px; background-color: rgb(255, 255, 255); text-align: center; "><i>Estados Unidos; 2011</i><br />Director: <i>Nicolas Winding Refn</i><br />Protagonistas: <i>Ryan Gosling, Carey Mulligan, Bryan Cranston, Albert Brooks</i></div><div><br /></div><div><div style="text-align: right;"></div><div><br /></div><div><i><b><span>Toki o kakeru shōjo // La chica que saltaba a través del tiempo</span></b></i> (2006)</div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">Una comedia de ciencia ficción sobre una chica de preparatoria que descubre que puede viajar a través de la cuarta dimensión y, con ello, arreglar o dar un giro distinto a situaciones propias de una estudiante adolescente. El elemento sci-fi se limita a los mencionados viajes temporales y las posibilidades narrativas que estos ofrecen, con la construcción de intrincados puzzles entre personajes y hechos que suelen hacerse en este tipo de historias, enfocando todo lo demás a las situaciones cómicas y románticas que, junto con los personajes, arrastran varios clichés de series de anime genéricas, lo que no extraña si se toma en cuenta que el director es Mamoru Hosoda, quien trabajó en algunos capítulos y una película de Digimon, así como una película de One Piece.</div><div><br /></div><div style="text-align: center;"><img src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/The-Girl-Who-Leapt-Through-Time.jpg" border="0" alt="TGWLTT" /> </div><div style="text-align: center;"><div style="color: rgb(51, 51, 51); font-size: 13px; line-height: 20px; background-color: rgb(255, 255, 255); "><b><i><br /></i></b></div><div style="background-color: rgb(255, 255, 255); "><span><span style="line-height: 20px;"><b><i>Toki o Kakeru Shōjo</i></b></span></span></div><div style="color: rgb(51, 51, 51); font-size: 13px; line-height: 20px; background-color: rgb(255, 255, 255); "><i>Japón; 2006</i><br />Director: <i>Mamoru Hosoda</i><br />Voces: <i>Riisa Naka, Takuya Ishida, Mitsutaka Itakura</i></div></div><div style="text-align: center;"><span><br /></span></div><div style="text-align: center;"><i><b><br /></b></i></div><div><i><b><span>Bridesmaids</span></b></i> (2011)</div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">Su mayor logro debe ser la transgresión de la norma de que la comedia femenina y/o de boda debe estar exenta de humor escatológico: en<i> Bridesmaids</i> ni todas son muñecas de porcelana impecablemente vestidas (o desaliñadas, pero aun así muñecas) ni tampoco se desviven en situaciones femeninamente ridículas y frívolas (sobre todo en comedias de boda) o escenas de amor/sexo insoportablemente cursis. Aquí las mujeres cagan, vomitan y cogen cual si estuvieran en comedia masculina adolescente y, además, no son bellezas deslumbrantes o arquetipos de mujeres sentimental y laboralmente realizadas. Y ese también es su defecto más notorio: fuera de la "novedad" que una comedia de bodas no sea una tontería como <a href="http://www.imdb.com/title/tt0901476/">esto</a>, tenemos a una comedia cualquiera, con algunos personajes principales bastante grises (la mitad de las <i>bridesmaids</i>, por ejemplo), unos secundarios desaprovechados (Rebel Wilson y Matt Lucas, ni más ni menos) y una historia que ya en su recta final cae muchísimo. Destacan, eso sí, Kristen Wiig (quien escribe y protagoniza la película) y Melissa McCarthy, nominada a un Oscar por esta película, en un personaje que ni a Judd Apatow en horas altas...</div><div><br /></div><div style="text-align: center;"><img src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Bridesmaids.jpg" border="0" alt="Bridesmaids" /> </div><div style="text-align: center;"><br /></div><div><div style="text-align: center; "><div style="background-color: rgb(255, 255, 255); "><span><span style="line-height: 20px; "><b><i>Bridesmaids</i></b></span></span></div><div style="color: rgb(51, 51, 51); font-size: 13px; line-height: 20px; background-color: rgb(255, 255, 255); "><i>Estados Unidos; 2011</i><br />Director: <i>Paul Feig</i><br />Protagonistas: <i>Kristen Wiig, Maya Rudolph, Rose Byrne, Melissa McCarthy</i></div></div></div><div style="text-align: left;"><br /></div><div><br /></div><div><i><b><span>The girl with the dragon tattoo</span></b></i> (2011)</div><div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">Después de la grandiosa <i>The social network</i> (una de las mejores películas del 2010), David Fincher parece meterse en un mero encargo cinematográfico y dirige <i>The girl with the dragon tattoo</i>, basada en el primer libro de la saga novelística escrita por Stieg Larsson, el cual ya fue adaptado en 2009 al cine, aunque sin el respaldo comercial de Hollywood. Hablando de modo totalmente subjetivo —como en todo lo escrito anteriormente...—, resulta una película tan densa y fría que nunca conecta con el espectador, y que basa todas sus virtudes en la historia, que versa sobre la investigación del paradero de la integrante desaparecida hace 40 años de una familia asquerosamente acaudalada; y en Lisbeth Salander,<span style="line-height: 20px;"> uno de los dos personajes principales, quien es interpretada por Rooney Mara, en un papel que exige físicamente mucho poder y excentricidad, pero que histriónicamente no explota mucho (en ese sentido, me sigo quedando con Daniel Craig). Por lo demás, ocurre algo parecido que con <i>Drive,</i> forma sobre fondo, aunque aquella no se ahogaba en sí misma con enredos innecesarios. La narración intenta ser vertiginosa e interesante, pero por lo general todo termina en una serie de soliloquios de personajes en los que no llegas a interesarte nunca. Mención especial a su final: media hora de eventos narrados de modo aún más aburrido y tedioso que en la película y con los que sólo esperas que, por favor, la película termine ya. Una película no recomendable y con la que t</span>ermino de confirmar mi total desinterés por el fenómeno literario <i>Millennium</i>.</div></div><br /><div style="text-align: center;"><img src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/the-girl-with-the-dragon-tattoo-poster.jpg" border="0" alt="TGWTDT" /></div></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: center;"><div style="background-color: rgb(255, 255, 255); "><span><span style="line-height: 20px; "><b><i>The girl with the dragon tattoo</i></b></span></span></div><div style="background-color: rgb(255, 255, 255); "><i style="color: rgb(51, 51, 51); font-size: 13px; line-height: 20px; ">Estados Unidos, Suecia, Reino Unido, Alemania; 2011</i><br /><span style="color: rgb(51, 51, 51); font-size: 13px; line-height: 20px; ">Director</span><i style="color: rgb(51, 51, 51); font-size: 13px; line-height: 20px; ">: David Fincher</i><br /><span><span style="line-height: 20px;">Protagonistas: </span></span><i style="color: rgb(51, 51, 51); font-size: 13px; line-height: 20px; ">Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer, Stellan Skarsgard</i></div></div>William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-2099143749086272327.post-2937253735017960592012-02-02T17:23:00.001-08:002012-02-02T20:58:35.376-08:00Mis respetos<div style="text-align: justify;">A principios de 2010 fui a Guadalajara durante cuatro meses por una movilidad estudiantil. Estando allá, abrí una cuenta de ManHunt (un foro para hombres gay, usado principalmente para conocer gente para relaciones sexuales). Aunque me mensajeaba con varias personas, sólo vi a una persona en vivo, un chico bastante guapo de 23 años. Lo contacté porque en su foto, tomada en su habitación, podían apreciarse al fondo muchísimos pósters de personajes de videojuegos y cómics. Banalmente hablando, me enamoró.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Nos encontramos en el centro, en una fuente que se encuentra en Plaza Universidad, frente a la biblioteca de la ciudad. En aquel tiempo —no recuerdo la fecha exacta, disculparán— había varios puestos ambulantes ocupando la plaza. Sentado en la fuente, lo vi llegar por entre los puestos. No sólo era físicamente bello, sino que vestía muy bien (en comparación conmigo, que compro mi ropa en Wal-Mart). Se acercó y me pregunto si era yo a quien esperaba, y asentí. Tonteamos unos minutos en la fuente y luego me invitó a comer a un restaurante de comida china a unas cuadras de ahí. A pesar de estar físicamente en buena forma, tenía mucho apetito, incluso más que yo. Platicamos un rato de tonterías y, al terminar, fuimos a un parque cercano a sentarnos y platicar en las bancas.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Me deslumbró por varios motivos. El primero fue su nerdismo: era un aficionado de cómics (aunque de DC, desgraciadamente...) y enseguida conectamos en ese sentido. Justamente ese día llevaba un libro de pasta dura: <a href="http://www.amazon.com/DC-Comics-Encyclopedia-Definitive-Characters/dp/075660592X/ref=sr_1_1?ie=UTF8&qid=1328233115&sr=8-1">la enciclopedia de personajes de la editorial DC</a>. Me contó de cuánto lo amaba y de cómo lo había conseguido, y que en esa ocasión lo llevaba porque daba terapia sicólogica a niños y había uno en particular con el que había congeniado gracias a su gusto por los cómics, y ese día llevaba el libro para la sesión que había tenido durante la mañana con él. Me contó más de él: de que era un aficionado a los videojuegos (e incluso había sido host de un programa de televisión sobre ello en Guadalajara) y la cultura coreana. Me dijo que tomaba clases de ello e incluso me enseñó un examen que ese día había recogido, ya revisado. Le encantaba el k-pop (y detestaba el j-pop, porque me criticó mi gustito por una canción que traía metida en aquel entonces en la cabeza gracias al anime de Naruto) y deseaba con mucho ahínco viajar a Corea. También compartió conmigo algunos relatos de su trabajo como activista en contra del VIH/Sida, de cómo era algo que, pese a ser mortal, no era de cuidado para los jóvenes, especialmente los homosexuales. Trabajaba dando cursos sobre capacitación y haciendo pruebas de detección de Sida; incluso, en nuestro paseo por el centro, pasamos por uno de los consultorios donde había trabajado. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Finalmente nos sentamos en no recuerdo dónde y platicamos por largo tiempo de sus aspiraciones, de las mías y de nuestros planes. Me intimidó muchísimo, pues aparte de ser un galán era una persona con un discurso contundente y enérgico, muy crítico y con mucha inteligencia. Llegó un momento donde me sentí pequeño a su lado, minúsculo, pero todo se solucionó con algo: él sonrío. Amo y vivo por el amor a las sonrisas, que para mí son la puerta del alma y el corazón, y la suya era hermosa y sincera. Siendo de nuevo banal, me enamoré más. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Sin embargo, no todo terminó tan bien, al menos no para mí. No contaré los detalles porque no viene al caso hacerlo, pero me dijo muchas cosas sobre el amor y las relaciones que me decepcionaron mucho, no porque esperara ser su novio, sino porque en verdad eran cosas que me sentía imposibilitado a tolerar. Tenía, además, manías personales bastante misántropas. Cuando nos despedimos, puse una mano sobre su hombre de modo fraternal: él me miró y me dijo "No hagas eso, no me gusta". No sé si hirió mi orgullo o algo más, pero eso, aunado con pequeñas conversaciones que habíamos tenido al día siguiente por chat, me hicieron decidir cortar toda relación con él (o sea: borrarlo de msn y de facebook). Llegué a detestarlo, incluso, y durante bastante tiempo hablé de lo mal que el tipo me había caído por ese detalle. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Pese a ello, yo sabía, en el fondo, que había tenido una cita amistosa de ensueño. Hubo dos detalles que me hicieron (de nuevo, banalmente hablando) amarlo todavía más:</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El primer momento fue cuando pasamos frente al aparador de una librería y a los dos nos brillaron los ojos ante la perspectiva de ciertos libros. Fue un momento precioso, donde nos dedicamos a hablar, en la calle, de cuánto amábamos leer. Pasé la prueba de fuego con honores, pues cuando me preguntó sobre mi libro favorito, fui sincero: 1984, de George Orwell. Incluso ahí he de decir que no todo fue miel para mí, pues me comentó sobre su costumbre de no terminar los libros: sólo leía lo que le interesaba de alguna novela o ensayo y la desechaba. Eso lastimó un poco mi amor por él.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;">Y el segundo fue después de la cita. Al llegar a casa, entré a Facebook. Él escribió (parafraseando):</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: center;"><i>¡Grata sorpresa la de [yo]! Excelente tarde, muy amena. Esperando otra igual.</i></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Como dije, y aún con este mensaje tan halagador, nunca más volví a verlo. Y fue decisión mía, pues, en un acto de egolatría, decidí que alguien con los errores que él tenía no valía la pena como para otra cita. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: left;"><div style="text-align: justify;">Terminé mi movilidad y me fui de Guadalajara. Lo vi sólo un día, pero, pese a todo lo desagradable que decía que me resultó, sé que fue una tarde hermosa, de esas que pocas veces he tenido en la vida.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Meses después, y ya pasado aquel desplante de mamonería de mi parte, decidí buscarlo en internet, pero no lo encontré. Sólo recordaba su nombre, pues era muy peculiar, pero ni eso ni otros datos que pudieran llevarme a él me sirvieron para encontrarlo, ni siquiera en Facebook.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Hoy en la tarde he sentido una punzada: "Debería buscarlo y ver cómo está". He metido en Google su nombre, Tonatiuh, y "Guadalajara". Sabiendo que eso no sería suficiente en lo absoluto, decidí por una palabra más: "Coreano".</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Lo encontré. Su nombre completo, que no lo recordaba, era Tonatiuh Olivares Medina.</div><br /><div style="text-align: center;"><img src="http://img.photobucket.com/albums/v381/WilliamSaints/Tonatiuh.jpg" border="0" alt="Tonatiuh" /></div><div style="text-align: center;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Lamentablemente no encontré su perfil de Facebook o algo así: encontré <a href="http://destierrocorporal.blogspot.com/2011/07/tonatiuh-olivares-medina.html">una entrada de blog de un amigo suyo</a>, rindiéndole respetos. Tonatiuh se suicidó el pasado 8 de julio. Su amigo menciona que por depresión. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Se me hizo un hoyo en el alma. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Escribo esto con todo mi respeto, amor y admiración por Tonatiuh. Lo conocí un solo un día y, de un modo platónico, lo amé muchísimo, demasiado. No sé cómo me duele tanto, pero lo hace, y quiero dejar una constancia en algún lugar de que, pese a todo el tiempo sin saber algo de él, nunca lo olvidé, ni a él ni a esa sonrisa tan enternecedora que me fascinó aquella tarde en Guadalajara. Un saludo, Tonatiuh. Disculpa el modo en que me comporté, y mis más sincero y humilde pésame a cualquier amigo o familiar que llegue a leer esto. </div>William Saintshttp://www.blogger.com/profile/13128620740376207206noreply@blogger.com